3.08.2009
¿Today? series
Intertextualidad de la obra de On Kawara
Título: ¿Today? series
Técnica: pintura acrílico sobre tela
Medidas: 30 x 20 x 4 / cm
Año: 2008
Autor: Ryuichi Yahagi
Título: ¿Today? series
Técnica: pintura acrílico sobre tela
Medidas: 30 x 20 x 4 / cm
Año: 2008
Autor: Ryuichi Yahagi
"Relación de postmoderno japonesa entre artes visuales"
"Relación de postmoderno japonesa entre artes visuales"
La fricción, la interacción cultural y el desarrollo de medios avanzados de comunicación ocurren de manera acelerada en estos días. La reacción contra este fenómeno en el arte ha empezado a aparecer y reaccionar después de los años 70. Cuando se consideran las relaciones sociales y las influencias que puede tener sobre un ser humano, todo arte tiene un lado para poder funcionar como catalizador o vinculo. Este tipo de percepción artística indica la incursión a otra época posterior a la moderna denominada por muchos “el postmodernismo”.
Estos medios de comunicación, tan avanzados y metidos en una sociedad sobre madurada, hacen que la sustancia y el ser de cada objeto desaparezca y el valor sea sólo por "relaciones" y una “diferencia" entre las cosas. Además, la imagen a la que se agregó el valor y una marca, permite que la calidad de muchas cosas se reconozca originalmente a través de sensibilidad. Es imposible de reconocer la sustancia y el ser de cada objeto de forma inmediata. En tal concepto, una sociedad se vuelve una señal y un mundo global para dominar por encima de de la diferencia. En otros términos, puede haber sucedido que sea "un texto" que permita variadas interpretaciones y que no deje que mires las cosas unilateralmente. El trabajo autoexpresión del autor no necesariamente significa e indica lo que un público pueda observar o sentir. Puede decirse que la obra se presta a muchas ideas y no obligatoriamente a la expresividad única artística.
En el mundo japonés de arte, una de las características grandes que aparecieron como huella entre los años 1990 y 2000, es el levantamiento y la fijación de la expresión para tratar las varias representaciones, que tiempo después la sociedad del consumo y la cultura popular pusieron para una revisión. Todo esto permitió al arte contemporáneo soltarse fuera de la persistencia de un estilo y de la vida diaria, nombrándose la abstracción a una experiencia de la mente aislada y siendo el resultado de la tendencia de conquistar medios con una reflexión sobre la importancia de vivir en el momento presente. Artistas Murakami, Ozawa y Aida intentaron en el arte japonés una fusión con "la subcultura. Ellos permitieron la fantasía común al sentido común y la utopía de la historia, formada a través de un juguete. Las cosas de la generación en la cual ellos crecieron (época de los 60), se puede ganar el beneficio de un extracto importante como son las historietas de SF o los dibujos animados (anime de preferencia del "OTAKU"[1]). Se consintieron reflejar la falta de dificultad de tener la originalidad independiente en la sociedad del postmodernismo japonés y el sentido nacional de belleza y cultivo, con la considerable pérdida de la memoria de la misma comunidad. Estos autores reflejan las características de una tragedia del postmoderno japonés, buscando experimentar con la timidez (la negación de caer al kitsch), usando algo "como infantil" y logrando mostrar la naturaleza del arte contemporáneo de una forma original.
El nombre del artista japonés Takashi Murakami llama mucho la atención mundial después en la segunda mitad de los años 1990, pero sin demasiado misterio. Se trata de una estrategia muy hábil que consiste en reemplazar y fusionar el modelo del dibujo animado (anime) después de haber refinado completamente la expresión plana del arte de la tradición japonesa, como su extraordinaria técnica y el sentido que comprende la estrategia. Claro que es inevitable comentar que se trata sólo de una estrategia de venta para el mercado global, que se puede atar y sacar a la naturaleza particularmente plana de arte de la tradición japonesa con las características planas del dibujo animado (anime) A base de lo descrito, es importante agregar que la inspiración que ocupa el dicho autor surge del pintor japonés Sansetsu Kanou que tuvo logros notables, habiendo representando un papel activo principalmente en época de Edo(1603-1867), los días tempranos del período de Momoyama). También cabe mencionar que Murakami colaboró con Yoshinori Kanada en los años 1980 para que se volviera de igual manera la causa de su concepto. Se dice que es el estilo de animador Kanada todavía tiene mucha imagen carismática. (Kanata trabaja en el estudio de Hayao Miyazaki de STADIO JIBURI[2] mayor como un animador) El ejemplo del peso que tiene Murakami se ve a través de un subasta de la compañía mayor SAZABYS, donde su figura que patina "My Ronsam Cowboy" se colgó para el evento en Nueva York, el 14 de mayo de 2008 y se hizo una oferta de 15,161,000 dólares. El precio esperado por el artista era 3,000,000-4,000,000 dólares, pero lo supero por mucho. Este suceso le provocó un gran a Murakami.
(1)Para siempre profundo-Rosa, Takashi Muarakami
(2)Para siempre profundo-Verde, Takashi Murakai
En el futuro, los aristas jóvenes no puede pasear de la misma manera como lo hizo el artista Murakami. La generación que es más joven que Murakami parece mostrar una tendencia a investigar un lugar nuevo a través del proceso, de una percepción y una asociación, un sentido del cuerpo y la comunicación, una especialidad en el momento, aparte de los análisis de la representación de subculturas. La importancia del trabajo no es una cosa que está justificada con otra cosa, incluyendo allí la belleza morfológica y sentido unido por el contexto cultural. Más bien, parece ser realizado el ejercicio imaginario, que es una forma indeterminada a la fuerza de antes de la que sea por estética y una categoría cultural. La realidad física se recuerda del entorno de un espectador a través de la conexión y la constitución espacial de los detalles. Por consiguiente, es la práctica con imaginación personal que no es una experiencia de la cultura en la obra, siendo descubierto por cualquiera, mirando las cosas establecidas de un punto de vista diferente de los tiempos usuales. La nueva tendencia durante los últimos cinco años ha sido la creación del nuevo valor de las cosas a través de la fragmentación, el descubrimiento de independencia humana, de testigos a través del de-contexto y el uso, encontrándose no sólo en el arte plástico sino también en un baile o literatura, en arquitectura.
Un pensamiento generalmente se desenvuelve hablando de lo que es una cosa que se coge de la situación social. Entonces se pone difícil de arrestar los varios problemas que se regaron críticamente fuera de allí, pensando que la reflexión crítica debe nacer de allí. En cuanto a la época presente, tiende meramente a la expansión de la diferencia y a la nueva situación que ha sido mixta y no diciendo solo ha terminado el desarrollo de la sociedad del consumo pública para tener que ser criticado.
La crítica de arte Midori Matsui dice que la situación social del postmoderno es "historial" y que perdió la raíz del valor por la propia cultura, aun dejando en existencia "una señal flotante." Matsui llama el estilo de la próxima generación (después de Murakami) " micro-pop." "El micro-pop[3]" es una postura de la “vanguardia pequeña", que crea a los modelos del nuevo sentido de belleza y acción. Al mismo tiempo, la historia hace una relativización de todo el entorno, es como si un pedazo de conocimiento hubiera sido recogido en la propia experiencia en las veces cuando el apoyo y la explicación verbal pierden valor y autoridad conjunta. Las personas, la información y la calidad son de una velocidad inaudita, unas balanzas que se mueven en el mundo entero. Esta postura hace una base de juicio propio mientras las personas reaccionan a la situación para poder fluir siempre en los tiempos globales. Cuando un evento remoto un lugar básico de la vida de uno agita al individuo, se puede decir aun que se está experimentando la "supervivencia pequeña" con la contestación de "vivencia."
Quizás pueda ser que este fenómeno descrito anteriormente debe ser escogido para cambiar una misma-imagen a una velocidad que es más rápida que el ser humano y la razón es que esto sucede porque todavía no nos enrollamos totalmente en esta sociedad de consumo de altitud.
Bibliografía consultada y complementaria
Hiroki Azyma, “Dobutsuka-suru Postmodern ”, Japón, Koudan, 2001.
Sitios y páginas en internet citados
Hiroki Azuma
http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%9D%B1%E6%B5%A9%E7%B4%80#.E5.8D.98.E8.91.97
http://www.hirokiazuma.com/
Midori Matsui
http://www.fujitv.co.jp/events/art-net/go/421.html
http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/2007/07/micropop.html
http://www.oi-bijutsukan.com/item-0810033.html
Otaku
http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%AA%E3%82%BF%E3%82%AF
http://www.artgene.net/dictionary/cat81/post_521.html
http://www.nk.rim.or.jp/~hyshk/SiCS/writing/jp_review_2002_doubutsuka.html
[1] Un otaku, ota
, a pesar de poder adquirir otros significados, a simples rasgos es un fanático del manga y la japanimación.
[2] El Estudio Ghibli es un estudio japonés de animación. Sus películas de anime han sido provocativas, imaginativas, emotivas y extensamente elogiadas por todo el mundo.
[3] Midori Matsui era curadora de "The Door into Summer: The Age of Micropop" en Contemporary Art Center/Gallery, ART TOWER MITO, Japón, 2007
La fricción, la interacción cultural y el desarrollo de medios avanzados de comunicación ocurren de manera acelerada en estos días. La reacción contra este fenómeno en el arte ha empezado a aparecer y reaccionar después de los años 70. Cuando se consideran las relaciones sociales y las influencias que puede tener sobre un ser humano, todo arte tiene un lado para poder funcionar como catalizador o vinculo. Este tipo de percepción artística indica la incursión a otra época posterior a la moderna denominada por muchos “el postmodernismo”.
Estos medios de comunicación, tan avanzados y metidos en una sociedad sobre madurada, hacen que la sustancia y el ser de cada objeto desaparezca y el valor sea sólo por "relaciones" y una “diferencia" entre las cosas. Además, la imagen a la que se agregó el valor y una marca, permite que la calidad de muchas cosas se reconozca originalmente a través de sensibilidad. Es imposible de reconocer la sustancia y el ser de cada objeto de forma inmediata. En tal concepto, una sociedad se vuelve una señal y un mundo global para dominar por encima de de la diferencia. En otros términos, puede haber sucedido que sea "un texto" que permita variadas interpretaciones y que no deje que mires las cosas unilateralmente. El trabajo autoexpresión del autor no necesariamente significa e indica lo que un público pueda observar o sentir. Puede decirse que la obra se presta a muchas ideas y no obligatoriamente a la expresividad única artística.
En el mundo japonés de arte, una de las características grandes que aparecieron como huella entre los años 1990 y 2000, es el levantamiento y la fijación de la expresión para tratar las varias representaciones, que tiempo después la sociedad del consumo y la cultura popular pusieron para una revisión. Todo esto permitió al arte contemporáneo soltarse fuera de la persistencia de un estilo y de la vida diaria, nombrándose la abstracción a una experiencia de la mente aislada y siendo el resultado de la tendencia de conquistar medios con una reflexión sobre la importancia de vivir en el momento presente. Artistas Murakami, Ozawa y Aida intentaron en el arte japonés una fusión con "la subcultura. Ellos permitieron la fantasía común al sentido común y la utopía de la historia, formada a través de un juguete. Las cosas de la generación en la cual ellos crecieron (época de los 60), se puede ganar el beneficio de un extracto importante como son las historietas de SF o los dibujos animados (anime de preferencia del "OTAKU"[1]). Se consintieron reflejar la falta de dificultad de tener la originalidad independiente en la sociedad del postmodernismo japonés y el sentido nacional de belleza y cultivo, con la considerable pérdida de la memoria de la misma comunidad. Estos autores reflejan las características de una tragedia del postmoderno japonés, buscando experimentar con la timidez (la negación de caer al kitsch), usando algo "como infantil" y logrando mostrar la naturaleza del arte contemporáneo de una forma original.
El nombre del artista japonés Takashi Murakami llama mucho la atención mundial después en la segunda mitad de los años 1990, pero sin demasiado misterio. Se trata de una estrategia muy hábil que consiste en reemplazar y fusionar el modelo del dibujo animado (anime) después de haber refinado completamente la expresión plana del arte de la tradición japonesa, como su extraordinaria técnica y el sentido que comprende la estrategia. Claro que es inevitable comentar que se trata sólo de una estrategia de venta para el mercado global, que se puede atar y sacar a la naturaleza particularmente plana de arte de la tradición japonesa con las características planas del dibujo animado (anime) A base de lo descrito, es importante agregar que la inspiración que ocupa el dicho autor surge del pintor japonés Sansetsu Kanou que tuvo logros notables, habiendo representando un papel activo principalmente en época de Edo(1603-1867), los días tempranos del período de Momoyama). También cabe mencionar que Murakami colaboró con Yoshinori Kanada en los años 1980 para que se volviera de igual manera la causa de su concepto. Se dice que es el estilo de animador Kanada todavía tiene mucha imagen carismática. (Kanata trabaja en el estudio de Hayao Miyazaki de STADIO JIBURI[2] mayor como un animador) El ejemplo del peso que tiene Murakami se ve a través de un subasta de la compañía mayor SAZABYS, donde su figura que patina "My Ronsam Cowboy" se colgó para el evento en Nueva York, el 14 de mayo de 2008 y se hizo una oferta de 15,161,000 dólares. El precio esperado por el artista era 3,000,000-4,000,000 dólares, pero lo supero por mucho. Este suceso le provocó un gran a Murakami.
(1)Para siempre profundo-Rosa, Takashi Muarakami
(2)Para siempre profundo-Verde, Takashi Murakai
En el futuro, los aristas jóvenes no puede pasear de la misma manera como lo hizo el artista Murakami. La generación que es más joven que Murakami parece mostrar una tendencia a investigar un lugar nuevo a través del proceso, de una percepción y una asociación, un sentido del cuerpo y la comunicación, una especialidad en el momento, aparte de los análisis de la representación de subculturas. La importancia del trabajo no es una cosa que está justificada con otra cosa, incluyendo allí la belleza morfológica y sentido unido por el contexto cultural. Más bien, parece ser realizado el ejercicio imaginario, que es una forma indeterminada a la fuerza de antes de la que sea por estética y una categoría cultural. La realidad física se recuerda del entorno de un espectador a través de la conexión y la constitución espacial de los detalles. Por consiguiente, es la práctica con imaginación personal que no es una experiencia de la cultura en la obra, siendo descubierto por cualquiera, mirando las cosas establecidas de un punto de vista diferente de los tiempos usuales. La nueva tendencia durante los últimos cinco años ha sido la creación del nuevo valor de las cosas a través de la fragmentación, el descubrimiento de independencia humana, de testigos a través del de-contexto y el uso, encontrándose no sólo en el arte plástico sino también en un baile o literatura, en arquitectura.
Un pensamiento generalmente se desenvuelve hablando de lo que es una cosa que se coge de la situación social. Entonces se pone difícil de arrestar los varios problemas que se regaron críticamente fuera de allí, pensando que la reflexión crítica debe nacer de allí. En cuanto a la época presente, tiende meramente a la expansión de la diferencia y a la nueva situación que ha sido mixta y no diciendo solo ha terminado el desarrollo de la sociedad del consumo pública para tener que ser criticado.
La crítica de arte Midori Matsui dice que la situación social del postmoderno es "historial" y que perdió la raíz del valor por la propia cultura, aun dejando en existencia "una señal flotante." Matsui llama el estilo de la próxima generación (después de Murakami) " micro-pop." "El micro-pop[3]" es una postura de la “vanguardia pequeña", que crea a los modelos del nuevo sentido de belleza y acción. Al mismo tiempo, la historia hace una relativización de todo el entorno, es como si un pedazo de conocimiento hubiera sido recogido en la propia experiencia en las veces cuando el apoyo y la explicación verbal pierden valor y autoridad conjunta. Las personas, la información y la calidad son de una velocidad inaudita, unas balanzas que se mueven en el mundo entero. Esta postura hace una base de juicio propio mientras las personas reaccionan a la situación para poder fluir siempre en los tiempos globales. Cuando un evento remoto un lugar básico de la vida de uno agita al individuo, se puede decir aun que se está experimentando la "supervivencia pequeña" con la contestación de "vivencia."
Quizás pueda ser que este fenómeno descrito anteriormente debe ser escogido para cambiar una misma-imagen a una velocidad que es más rápida que el ser humano y la razón es que esto sucede porque todavía no nos enrollamos totalmente en esta sociedad de consumo de altitud.
Bibliografía consultada y complementaria
Hiroki Azyma, “Dobutsuka-suru Postmodern ”, Japón, Koudan, 2001.
Sitios y páginas en internet citados
Hiroki Azuma
http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%9D%B1%E6%B5%A9%E7%B4%80#.E5.8D.98.E8.91.97
http://www.hirokiazuma.com/
Midori Matsui
http://www.fujitv.co.jp/events/art-net/go/421.html
http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/2007/07/micropop.html
http://www.oi-bijutsukan.com/item-0810033.html
Otaku
http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%AA%E3%82%BF%E3%82%AF
http://www.artgene.net/dictionary/cat81/post_521.html
http://www.nk.rim.or.jp/~hyshk/SiCS/writing/jp_review_2002_doubutsuka.html
[1] Un otaku, ota
, a pesar de poder adquirir otros significados, a simples rasgos es un fanático del manga y la japanimación.
[2] El Estudio Ghibli es un estudio japonés de animación. Sus películas de anime han sido provocativas, imaginativas, emotivas y extensamente elogiadas por todo el mundo.
[3] Midori Matsui era curadora de "The Door into Summer: The Age of Micropop" en Contemporary Art Center/Gallery, ART TOWER MITO, Japón, 2007
Ensayo de "Teoría de la postmodernidad" de Fredric Jameson con"Introducción" de Juan Martín Prada
Ensayo de "Teoría de la postmodernidad" de Fredric Jameson con"Introducción" de Juan Martín Prada
Para poder entender que significa postmodernismo, primero es necesario saber el significado de modernismo. De manera literal se consideraría al postmodernismo como “después de tiempos modernos”; sin embargo, planteo una duda, ya que se han terminado los tiempos modernos, ¿realmente estamos en un mundo después de los tiempos modernos?
Según la historia, el Marxismo consideraba que el inicio de los tiempos modernos estaba marcado por el principio del modelo económico capitalista. Debido a que aún en estos días mantenemos una economía capitalista, considero que el postmodernismo no es solo un rastro de lo que fueron los tiempos modernos, sino, es una parte de ellos, es su continuación sin límite preciso. De esta manera que la palabra postmodernismo deberá ser usada como un término que indica una nueva fase en los tiempos de la economía capitalista.
Marx indica que el capitalismo (capital industrial) es un movimiento social que da inicio después de la revolución industria. Este movimiento envuelve al mundo entero una vez que comienza y hasta estos momentos, este movimiento, el movimiento aun no termina. Se podría decir que la sociedad aún se mueve por la fuerte tendencia del capitalismo, incluso en tiempos modernos. Se maneja que la codicia fue el elemento que provoco la expansión exhaustiva del mercado del producto y la burguesía (la capital) a lo largo de todo el planeta.
El capitalismo creó un sistema que se ha reproducido y expandido desde los centros (países primer mundistas) a la periferia. La sociedad capitalista tiene como prioridad el consumo, lo cual produciría una mejoría en la calidad de vida, es un ciclo de producción, venta y ganancia. De esta manera, antes no se consideraba una obra de arte como un producto; actualmente es necesario que exista una estrategia para vender una obra de arte y así ganar dinero.
Quizás el fenómeno social suscitado y el evento comprendido como el capitalismo, obtengan un verdadero significado después de que estos dos elementos se sometan a diálogo, de lo contrario no tendrá ningún significado para nosotros. Es así como podría decirse que no se puede separar un acto y la realidad social del diálogo en sí. El diálogo es un acto que ocurre dentro de la sociedad escalonada, donde él en sí mismo no es un hecho que muestra la realidad social como la copia de un espejo.
Por ejemplo, cito el problema social llamado “la ruptura del medio ambiente” donde diversas fuentes como investigaciones y los medios de comunicación masivos, dan un enfoque a este problema, situándolo como “la ruptura del medio ambiente es un problema social”. En otros términos se ha citado “un problema” mientras que para la sociedad no ha denominado la ruptura medioambiental como un problema social objetivamente, y para las personas la ruptura medioambiental es en sí un fenómeno.
Puedo considerar que la sociedad en sí es como en un diálogo, siempre contiene distintas charlas o maneras de interpretación, distintos puntos de vista sobre que para que cuando y donde. La realidad social depende de la interpretación
Sitios y páginas en Internet citados
http://ecowww.leh.kagoshima-u.ac.jp/staff/ihara/paper/paper-4.htm
http://www.dnp.co.jp/artscape/
Para poder entender que significa postmodernismo, primero es necesario saber el significado de modernismo. De manera literal se consideraría al postmodernismo como “después de tiempos modernos”; sin embargo, planteo una duda, ya que se han terminado los tiempos modernos, ¿realmente estamos en un mundo después de los tiempos modernos?
Según la historia, el Marxismo consideraba que el inicio de los tiempos modernos estaba marcado por el principio del modelo económico capitalista. Debido a que aún en estos días mantenemos una economía capitalista, considero que el postmodernismo no es solo un rastro de lo que fueron los tiempos modernos, sino, es una parte de ellos, es su continuación sin límite preciso. De esta manera que la palabra postmodernismo deberá ser usada como un término que indica una nueva fase en los tiempos de la economía capitalista.
Marx indica que el capitalismo (capital industrial) es un movimiento social que da inicio después de la revolución industria. Este movimiento envuelve al mundo entero una vez que comienza y hasta estos momentos, este movimiento, el movimiento aun no termina. Se podría decir que la sociedad aún se mueve por la fuerte tendencia del capitalismo, incluso en tiempos modernos. Se maneja que la codicia fue el elemento que provoco la expansión exhaustiva del mercado del producto y la burguesía (la capital) a lo largo de todo el planeta.
El capitalismo creó un sistema que se ha reproducido y expandido desde los centros (países primer mundistas) a la periferia. La sociedad capitalista tiene como prioridad el consumo, lo cual produciría una mejoría en la calidad de vida, es un ciclo de producción, venta y ganancia. De esta manera, antes no se consideraba una obra de arte como un producto; actualmente es necesario que exista una estrategia para vender una obra de arte y así ganar dinero.
Quizás el fenómeno social suscitado y el evento comprendido como el capitalismo, obtengan un verdadero significado después de que estos dos elementos se sometan a diálogo, de lo contrario no tendrá ningún significado para nosotros. Es así como podría decirse que no se puede separar un acto y la realidad social del diálogo en sí. El diálogo es un acto que ocurre dentro de la sociedad escalonada, donde él en sí mismo no es un hecho que muestra la realidad social como la copia de un espejo.
Por ejemplo, cito el problema social llamado “la ruptura del medio ambiente” donde diversas fuentes como investigaciones y los medios de comunicación masivos, dan un enfoque a este problema, situándolo como “la ruptura del medio ambiente es un problema social”. En otros términos se ha citado “un problema” mientras que para la sociedad no ha denominado la ruptura medioambiental como un problema social objetivamente, y para las personas la ruptura medioambiental es en sí un fenómeno.
Puedo considerar que la sociedad en sí es como en un diálogo, siempre contiene distintas charlas o maneras de interpretación, distintos puntos de vista sobre que para que cuando y donde. La realidad social depende de la interpretación
Sitios y páginas en Internet citados
http://ecowww.leh.kagoshima-u.ac.jp/staff/ihara/paper/paper-4.htm
http://www.dnp.co.jp/artscape/
Ensayo de "De la antigüedad virtual a la zona pixel" con "El hombre ilustrado"
Ensayo de "De la antigüedad virtual a la zona pixel" con "El hombre ilustrado"
Irrumpe en la sociedad del máximo consumismo, comprendido agudamente como “el poder de la imagen”. Muchas imágenes de anuncios, fotografías, películas, televisión, la imagen del video inundaron y estimularon nuestra vista y oído alcanzando el punto en que influyeron en nuestros pensamientos e imaginación. Nuestras vidas están dentro del rango de la influencia de los medios visuales todos los días, sin tener conciencia de lo que la imagen realmente es, cómo es usada y de qué manera opera. Los medios de comunicación día a día se expanden a todos los rincones gracias al alto desarrollo tecnológico, aumentando al máximo el verdadero poder de la imagen. La posición central del método que maneja la imagen, de alguna manera, ha creado los diferentes conceptos que utilizamos en representación de los objetos creados en este mundo.
La cultura es una práctica compartida por determinados grupos, comunidades; en sí, es una manifestación de la sociedad. En diversos puntos, nuestra cultura está basada en lo visual, pero también es enriquecida por elementos audibles, y a través del mundo de la representación, se genera un significado. De esta manera, los significados obtenidos, generan una enorme influencia en nuestra identidad, pues la imagen que fluye fuera de los medios de comunicación es unilateral.
Por ejemplo, el anuncio, como medio de comunicación, es esencial en las sociedades del consumismo, y “es la dirección de la imagen” como el medio más importante en la política. De esta manera, las imágenes de los medios de comunicación, siempre invaden la vida cotidiana. La imagen forma a veces, un medio de expresión más fuerte que las palabras debido a las características de como transmite su mensaje; actualmente la imagen ha dejado de ser una simple ilustración. La percepción de la imagen se capta de manera inconsciente, y es por eso que entendemos de manera precisa lo que la imagen significa, pero también es necesario que exista un mensaje de texto que nos permita realizar un mejor análisis. Es importante que las imágenes se vinculen con los conceptos y propósitos positivos que esta pueda tener, obteniendo así resultados productivos. De esta manera no se puede ser libre del encanto de la imagen que te devuelve a un pasado raro. No es posible hacer una guerra con la imagen. El desarrollo de la habilidad del pensamiento crítico es necesario para poder visualizar “el negativo de la afirmación de la imagen”, por lo que es necesario adquirir y poseer sabiduría suficiente que nos permita vivir para con una imagen. Se debe alimentar la habilidad que permita monopolizar el entendimiento, así como un método de expresión, a menos que estemos conectados a través de la lógica operacional de la imagen se obtenga el resultado.
A lo largo de la historia, ¿cómo la reproducción hizo el cambio del significado en la imagen?, en la circulación global de la cultura visual y los movimientos instantáneos de la imagen entre diversas culturas que los medios de comunicación proyectan ¿cómo ocurriría el cambio del significado de la imagen?, ¿Qué significado tiene utilizar la imagen artística para vender un producto de consumo?, ¿Qué tipo de influencia la imagen tiene en Internet y en qué contexto se encuentra la imagen digital?.
Es fantasía de SF de Raymond Douglas Bradbury, pero existen otras percepciones, como mirar la sociedad desde un punto de vista ligeramente remoto.
Pienso que es probable que el significado óptico haya cambiado con el desarrollo de la tecnología. Si la cámara puede proyectar un cuadro que obtiene a partir de un punto, una mente puede inventar claramente el futuro. Así pues pensemos que en ésta época de tecnología podemos obtener resultados antes que sentirnos amenazados.
Sitios y páginas en Internet citados
http://homepage.mac.com/morihiro1966/pl/pl_intro.htm
http://japanese.donga.com/srv/service.php3?biid=2002042677618
http://ja.wikipedia.org/wiki/
http://ja.wikipedia.org/wiki/
Irrumpe en la sociedad del máximo consumismo, comprendido agudamente como “el poder de la imagen”. Muchas imágenes de anuncios, fotografías, películas, televisión, la imagen del video inundaron y estimularon nuestra vista y oído alcanzando el punto en que influyeron en nuestros pensamientos e imaginación. Nuestras vidas están dentro del rango de la influencia de los medios visuales todos los días, sin tener conciencia de lo que la imagen realmente es, cómo es usada y de qué manera opera. Los medios de comunicación día a día se expanden a todos los rincones gracias al alto desarrollo tecnológico, aumentando al máximo el verdadero poder de la imagen. La posición central del método que maneja la imagen, de alguna manera, ha creado los diferentes conceptos que utilizamos en representación de los objetos creados en este mundo.
La cultura es una práctica compartida por determinados grupos, comunidades; en sí, es una manifestación de la sociedad. En diversos puntos, nuestra cultura está basada en lo visual, pero también es enriquecida por elementos audibles, y a través del mundo de la representación, se genera un significado. De esta manera, los significados obtenidos, generan una enorme influencia en nuestra identidad, pues la imagen que fluye fuera de los medios de comunicación es unilateral.
Por ejemplo, el anuncio, como medio de comunicación, es esencial en las sociedades del consumismo, y “es la dirección de la imagen” como el medio más importante en la política. De esta manera, las imágenes de los medios de comunicación, siempre invaden la vida cotidiana. La imagen forma a veces, un medio de expresión más fuerte que las palabras debido a las características de como transmite su mensaje; actualmente la imagen ha dejado de ser una simple ilustración. La percepción de la imagen se capta de manera inconsciente, y es por eso que entendemos de manera precisa lo que la imagen significa, pero también es necesario que exista un mensaje de texto que nos permita realizar un mejor análisis. Es importante que las imágenes se vinculen con los conceptos y propósitos positivos que esta pueda tener, obteniendo así resultados productivos. De esta manera no se puede ser libre del encanto de la imagen que te devuelve a un pasado raro. No es posible hacer una guerra con la imagen. El desarrollo de la habilidad del pensamiento crítico es necesario para poder visualizar “el negativo de la afirmación de la imagen”, por lo que es necesario adquirir y poseer sabiduría suficiente que nos permita vivir para con una imagen. Se debe alimentar la habilidad que permita monopolizar el entendimiento, así como un método de expresión, a menos que estemos conectados a través de la lógica operacional de la imagen se obtenga el resultado.
A lo largo de la historia, ¿cómo la reproducción hizo el cambio del significado en la imagen?, en la circulación global de la cultura visual y los movimientos instantáneos de la imagen entre diversas culturas que los medios de comunicación proyectan ¿cómo ocurriría el cambio del significado de la imagen?, ¿Qué significado tiene utilizar la imagen artística para vender un producto de consumo?, ¿Qué tipo de influencia la imagen tiene en Internet y en qué contexto se encuentra la imagen digital?.
Es fantasía de SF de Raymond Douglas Bradbury, pero existen otras percepciones, como mirar la sociedad desde un punto de vista ligeramente remoto.
Pienso que es probable que el significado óptico haya cambiado con el desarrollo de la tecnología. Si la cámara puede proyectar un cuadro que obtiene a partir de un punto, una mente puede inventar claramente el futuro. Así pues pensemos que en ésta época de tecnología podemos obtener resultados antes que sentirnos amenazados.
Sitios y páginas en Internet citados
http://homepage.mac.com/morihiro1966/pl/pl_intro.htm
http://japanese.donga.com/srv/service.php3?biid=2002042677618
http://ja.wikipedia.org/wiki/
http://ja.wikipedia.org/wiki/
Ensayo de ¿Qué es la cultura visual?: "La era de la fotografía"
Ensayo de ¿Qué es la cultura visual?: "La era de la fotografía"
La fotografía fue creada; al parecer se usó al principio como un medio magnetofónico, pero posteriormente creó una gran influencia a las artes visuales. De esta manera, nació otro sentido para la fotografía.
Puede decirse que la cámara graba, y a la vez corta de manera visual un momento de la historia preciso, por lo que la cámara es un testigo de la historia.
Cuando la cámara fue inventada, se consideraba un artículo muy caro. En ese momento fue un limitante para que éste artículo fuera considerado como un método de registro de la historia, solo contados personajes pudieron obtener esta tecnología, y por lo tanto, en su inicio, no hay muchos registros históricos fotográficos. Para historiadores y sociólogos, etc., ha sido una herramienta muy útil, y desde su invención, éstos han recibido un gran beneficio para diversas investigaciones, ya que obtuvieron la herramienta visual que proporciona la fotografía. Actualmente, es un hecho que la verdad de la historia se aclara gracias a una fotografía.
Walter Benjamín ha señalado la fotografía como la desaparición del “aura”, llamándolo también “ahora aquí”, siendo una manifestación de tecnología y reproducción. Se puede afirmar que con la desaparición del “aura” oficialmente perdemos nuestra conciencia original. Respecto al curso de la historia de los medios de comunicación, enfocado principalmente desde el punto de vista gráfico, el desarrollo de la tecnología fue fomentado por la invención de la cámara oscura y de la película animada, inventada por los hermanos Lumiére, trayendo hasta estos días la creación de gráficos digitales de avanzada tecnología por computadora. Este breve comentario está dirigido a explicar el desvanecimiento y dispersión de la originalidad y arte anteriormente mencionada. El desarrollo que existe en un lugar y momento determinado, podría decirse que casi momentáneamente, ya se ha dispersado a cualquier lugar, gracias a la tecnología de reproducción moderna.
Nicholas Mirzoeff dijo que este mundo es hipervisual. Considera que nos encontramos sumergidos en una imagen que nos permite ir a donde quiera que queramos. La imagen grabada a la televisión y computadora, se transmiten de manera rutinaria, por medios de comunicación que podría decirse que simulan la función de la cámara, éstos son el internet y teléfonos móviles, gracias a su capacidad tecnológica de transmisión de imágenes de manera instantánea. De esta manera, nos empapamos constantemente con un mar de imágenes.
La imagen digital ha influido en la producción de imágenes en cada medio visual que existe en la actualidad. La imagen representa una voz influyente que está a punto de hablar entre nosotros de forma inconsciente.
Los medios de comunicación, desde las diversas formas de expresión artística, películas, internet, anuncios, actuación, fotografía, televisión, son importantes para el desarrollo de la vida cotidiana. Es necesario entender lo que cada medio significa exactamente, por lo que requieren ser examinados con el fin de conocerlos y tener herramientas necesarias para poder interpretar los medios visuales en la globalización postmoderna y cómo influyen estos en la vida cotidiana, dándonos una visión amplia y comprensión del mundo postmoderno al que pertenecemos, siendo los medios visuales un elemento importante de comunicación y por lo tanto, nuestro idioma.
Por ejemplo, Nan Golde, Yoshinobu Araki y Wolfgang Tillman, recientemente han llamado la atención debido a la modalidad fotográfica que ofrece como tema la vida cotidiana, pero la visualización de la identidad humana por su fotografía se debe a su cultura, su raza y su sexualidad.Éste es un registro del fenómeno social actual.
El artista no hace una copia de la vida cotidiana mediante la fotografía por lo que es importante encontrar el mensaje social implícito en ella y entender el concepto de la obra. Cualquier persona puede poseer una cámara pero hacer arte con ella no es de cualquiera.
Sitios y páginas en Internet citados
http://www.operacity.jp/ag/exh55/index.html
http://www.dnp.co.jp/artscape/
La fotografía fue creada; al parecer se usó al principio como un medio magnetofónico, pero posteriormente creó una gran influencia a las artes visuales. De esta manera, nació otro sentido para la fotografía.
Puede decirse que la cámara graba, y a la vez corta de manera visual un momento de la historia preciso, por lo que la cámara es un testigo de la historia.
Cuando la cámara fue inventada, se consideraba un artículo muy caro. En ese momento fue un limitante para que éste artículo fuera considerado como un método de registro de la historia, solo contados personajes pudieron obtener esta tecnología, y por lo tanto, en su inicio, no hay muchos registros históricos fotográficos. Para historiadores y sociólogos, etc., ha sido una herramienta muy útil, y desde su invención, éstos han recibido un gran beneficio para diversas investigaciones, ya que obtuvieron la herramienta visual que proporciona la fotografía. Actualmente, es un hecho que la verdad de la historia se aclara gracias a una fotografía.
Walter Benjamín ha señalado la fotografía como la desaparición del “aura”, llamándolo también “ahora aquí”, siendo una manifestación de tecnología y reproducción. Se puede afirmar que con la desaparición del “aura” oficialmente perdemos nuestra conciencia original. Respecto al curso de la historia de los medios de comunicación, enfocado principalmente desde el punto de vista gráfico, el desarrollo de la tecnología fue fomentado por la invención de la cámara oscura y de la película animada, inventada por los hermanos Lumiére, trayendo hasta estos días la creación de gráficos digitales de avanzada tecnología por computadora. Este breve comentario está dirigido a explicar el desvanecimiento y dispersión de la originalidad y arte anteriormente mencionada. El desarrollo que existe en un lugar y momento determinado, podría decirse que casi momentáneamente, ya se ha dispersado a cualquier lugar, gracias a la tecnología de reproducción moderna.
Nicholas Mirzoeff dijo que este mundo es hipervisual. Considera que nos encontramos sumergidos en una imagen que nos permite ir a donde quiera que queramos. La imagen grabada a la televisión y computadora, se transmiten de manera rutinaria, por medios de comunicación que podría decirse que simulan la función de la cámara, éstos son el internet y teléfonos móviles, gracias a su capacidad tecnológica de transmisión de imágenes de manera instantánea. De esta manera, nos empapamos constantemente con un mar de imágenes.
La imagen digital ha influido en la producción de imágenes en cada medio visual que existe en la actualidad. La imagen representa una voz influyente que está a punto de hablar entre nosotros de forma inconsciente.
Los medios de comunicación, desde las diversas formas de expresión artística, películas, internet, anuncios, actuación, fotografía, televisión, son importantes para el desarrollo de la vida cotidiana. Es necesario entender lo que cada medio significa exactamente, por lo que requieren ser examinados con el fin de conocerlos y tener herramientas necesarias para poder interpretar los medios visuales en la globalización postmoderna y cómo influyen estos en la vida cotidiana, dándonos una visión amplia y comprensión del mundo postmoderno al que pertenecemos, siendo los medios visuales un elemento importante de comunicación y por lo tanto, nuestro idioma.
Por ejemplo, Nan Golde, Yoshinobu Araki y Wolfgang Tillman, recientemente han llamado la atención debido a la modalidad fotográfica que ofrece como tema la vida cotidiana, pero la visualización de la identidad humana por su fotografía se debe a su cultura, su raza y su sexualidad.Éste es un registro del fenómeno social actual.
El artista no hace una copia de la vida cotidiana mediante la fotografía por lo que es importante encontrar el mensaje social implícito en ella y entender el concepto de la obra. Cualquier persona puede poseer una cámara pero hacer arte con ella no es de cualquiera.
Sitios y páginas en Internet citados
http://www.operacity.jp/ag/exh55/index.html
http://www.dnp.co.jp/artscape/
¿Cómo es ensayo en Japón?
¿Cómo es ensayo en Japón?
A través del autor Montaigne y su producción literaria, se podría fechar con cierta facilidad y puntualidad el inicio y el origen del ensayo. Posteriormente en el siglo XVII, se presta para analizar y observar el auge del ensayo en el Gran Bretaña, a través del filosofo Bacon y es con el proceso donde hereda el desarrollo prosaico. Con Charles Lamb en el siglo XVIII, sería la historia el principio del ensayo occidental. Se comenta que Montaigne usó la palabra “Essais” (ensayo) y que construyó los elementos esenciales de literatura moralista francesa, considerándose uno de sus trabajos más importantes de su vida. Este libro no es de filosofía sistemática, más bien habla de consideración basada en la propia experiencia y en la cita clásica. El punto principal es que se evitan citas de la Biblia, usando más frases de Platón, Aristóteles, Plutarchos, como también elementos de los documentos de la antigüedad clásica, caracterizada por Seneca.
¿En qué conceptos o tipos de ensayo occidental se compararía el ensayo japonés? El interés es bastante personal por razones de mis orígenes japonesas. Cuando se traduce el término “ensayo” en japonés, se aplica la palabra “Zuihitsu”. Si se intenta examinar y explicar esta palabra, en un diccionario "Zuihitsu" significa el reconocimiento a la forma libre de hacer registro escrito de una impresión espontánea. Además, si se investiga la expresión "el ensayo" en un diccionario japonés, se relaciona con la prosa libre, la forma de constitución y la expresión autónoma. En lugar de conclusión se presenta que en la esencia, el significado es muy similar en las dos culturas, sea occidental u oriental.
En cuanto a “Zuihitsu” como término oficial en Japón, aparece con el autor Kanera Ichijo en su libro "Tosai Zuihitsu" y se podría creer como el primero en aplicarlo en época de Muromachi (1336-1573), sin embargo su forma no se puede tomar como un verdadero estilo de ensayo, simplemente ofrece la palabra “Zuihitsu”. Lo relevante es que este tipo de redacciones se manifiestan y en épocas anteriores a ésta, solamente que no estaban clasificados ni categorizados como tal. Talvez el documento que se pudiera nombrar como el primer ensayo en Japón era “Makuranosoushi” por Seishonagon (fecha probable entre 966 y1025), en época de Heian (fin del siglo VIII hasta el fin del siglo XII) Este escrito mencionado anteriormente, es el primer ejemplo de un buen ensayo en Japón por contener varias frases de naturaleza, asuntos humanos capturadas agudamente, con sensibilidad calurosa, teniendo un impacto importante para el futuro modelo y el apogeo de la literatura japonesa.
Otro autor digno de mencionarse es Kamono Chomei (feca probable entre 1155 y 1216), de la época de Kamakura (1192-1333), con su obra “Hojyoki”, nombrándose la literatura del ensayo superior, considerándose un libro de la expresión del pensamiento de un escritor, descrito con un plan bastante claro. Respecto a otro famoso, Kenko Yoshida (1283-1352), que escribió "Tsurezuregusa", tenía influencia de “Makuranosoushi”. Una de las explicaciones razonables por la cual este tiempo tiene mucha escritura del carácter de ensayo, es porque era el formato idóneo escogido para expresar el pensamiento en el momento decisivo cuando en la relativización del sentido tradicional de valores de la dinastía.
Después de Primera Guerra Mundial, es el principio de respeto a la personalidad y pertenece al período de Taisho (1912-1926), se combina con el desarrollo rápido del periodismo y el ensayo individualizado, siendo probablemente el momento de fusión de los dos conceptos (oriental y occidental). Es ahí también el momento histórico donde el ensayo parece haber establecido una posición como un género de la literatura, adoptándose y adaptándose al ensayo de Europa. Un ensayo de la literatura por el escritor especializado frecuentemente es descrito por su tiempo y hay escritores contemporáneos muy conocidos mundialmente como Ryunosuke Akutagawa, Junichiro Tanizaki, Saneatsu Mushanokoji etc.
¿Cómo realmente puedo comenzar la redacción de un ensayo? Actualmente la sociedad de información avanzada nos inunda de muchos datos por Internet, televisión y otros medios. Por lo mencionado, se presenta una fuerte contradicción, demasiadas fuentes que se pueden interpretar de múltiples hasta innumerables maneras. Es bastante complejo entender y resolver el camino por dónde empezar y a qué “puerta tocar”. Hay casos de autores que incursionan a varios ámbitos como es el caso del famoso escritor y semiólogo europeo Umberto Eco. Su libro “Como hacer una tesis” es de un carácter de manual y desarrolla una serie de estrategias para armar un trabajo escrito científico. En su otra obra “El péndulo de Foucault” construye un ensayo con un trasfondo bastante científico. Por consiguiente, es un claro ejemplo que muchos documentos escritos ofrecen cómo se crean y publicaran libros y por lo tanto es interesante incursionar en muchas áreas y géneros literarias para poder producir un trabajo de tesis de buen contenido.
Si se procurara encontrar la diferencia en significado entre la tesis y ensayo, se podría constatar que una tesis es un gran conjunto de frases redactadas lógicamente sobre un determinado tema, es un informe que contiene partes muy definidas como son un principio (introducción / el asunto principal), el desarrolló de investigación (hipótesis que se busca comprobar) y el fin (conclusiones). En cuanto al ensayo, se le concede una gran importancia a la sensibilidad, a la diversión del desarrollo de la historia, a la libertad e intuición individual, y a veces, excluyendo la lógica. En resumen, la tesis procura lógica, racionalidad, objetividad y comprobaciones; y el ensayo se apoya en concepto personal de la sensibilidad y sin metodologías estrictas.
Pero ahora utiliza palabra ensayo como el significado tesis. Redactar consiste en poner por escrito un pensamiento, una opinión, etc., aunque no todo tipo de escrito (o también llamado redacción) es el apropiado dentro del mundo académico. Al escrito académico lo llamamos ensayo. El ensayo es un tipo de prosa que brevemente analiza, interpreta o evalúa un tema. Se considera un género literario, al igual que la poesía, la ficción y el drama. El ensayo con el que se suelen encontrar los estudiantes es el ensayo que constituye una pregunta de tarea o examen y que se diferencia de otros tipos de redacción...[1]
El simple hecho que se inicia el proceso de tesis, se cree el vínculo natural, se ofrece la tal sabiduría del antecesor que se vuelve a interpretar para un nuevo estudio con probabilidades de descubrimientos frescos. Este proceso forzosamente conlleva aun registro escrito (tesis, artículo), dejando la posible y perpetua conexión a la próxima generación.
Bibliografía consultada y complementaria
Umberto Eco, “Como se hace una tesis”, Japón, Jiritsu-shobo, 1991.
José Luis Gómez Martínez, “Teoría del ensayo”, México, UNAM, 1992
Loraine Blaxter, Christina Hughes, Malcolm Tight, “Cómo se hace una investigación”, Barcelona, Gedisa, 2000
Phyllis Creme, Mary R. Lea, “Escribir en la universidad”, Barcelona, Gedisa, 2000
Tesis consultadas
Yolanda Gamboa, “GUIA PARA LA ESCRITURA DEL ENSAYO”, Pretoria, South Africa: UNISA P., 1997.
Sitios y páginas en internet citados
Zuihitsu
http://100.yahoo.co.jp/detail/%E9%9A%8F%E7%AD%86/
http://homepage2.nifty.com/zhuang-zhou/sonotaF/whzh.html
[1] GUIA PARA LA ESCRITURA DEL ENSAYO
Yolanda Gamboa, Assistant Profesor of Spanish, Florida Atlantic University
El texto que incluyo a continuacion, principalmente para el uso de mis estudiantes, es una
version revisada y ampliada de mi anterior Gamboa, Yolanda. gEl ensayo.h Estrategias de
comunicacion y escritura. Only Study Guide for SPN-211-R. Ed. Yolanda Gamboa et al.
Pretoria, South Africa: UNISA P., 1997. 82-88.
A través del autor Montaigne y su producción literaria, se podría fechar con cierta facilidad y puntualidad el inicio y el origen del ensayo. Posteriormente en el siglo XVII, se presta para analizar y observar el auge del ensayo en el Gran Bretaña, a través del filosofo Bacon y es con el proceso donde hereda el desarrollo prosaico. Con Charles Lamb en el siglo XVIII, sería la historia el principio del ensayo occidental. Se comenta que Montaigne usó la palabra “Essais” (ensayo) y que construyó los elementos esenciales de literatura moralista francesa, considerándose uno de sus trabajos más importantes de su vida. Este libro no es de filosofía sistemática, más bien habla de consideración basada en la propia experiencia y en la cita clásica. El punto principal es que se evitan citas de la Biblia, usando más frases de Platón, Aristóteles, Plutarchos, como también elementos de los documentos de la antigüedad clásica, caracterizada por Seneca.
¿En qué conceptos o tipos de ensayo occidental se compararía el ensayo japonés? El interés es bastante personal por razones de mis orígenes japonesas. Cuando se traduce el término “ensayo” en japonés, se aplica la palabra “Zuihitsu”. Si se intenta examinar y explicar esta palabra, en un diccionario "Zuihitsu" significa el reconocimiento a la forma libre de hacer registro escrito de una impresión espontánea. Además, si se investiga la expresión "el ensayo" en un diccionario japonés, se relaciona con la prosa libre, la forma de constitución y la expresión autónoma. En lugar de conclusión se presenta que en la esencia, el significado es muy similar en las dos culturas, sea occidental u oriental.
En cuanto a “Zuihitsu” como término oficial en Japón, aparece con el autor Kanera Ichijo en su libro "Tosai Zuihitsu" y se podría creer como el primero en aplicarlo en época de Muromachi (1336-1573), sin embargo su forma no se puede tomar como un verdadero estilo de ensayo, simplemente ofrece la palabra “Zuihitsu”. Lo relevante es que este tipo de redacciones se manifiestan y en épocas anteriores a ésta, solamente que no estaban clasificados ni categorizados como tal. Talvez el documento que se pudiera nombrar como el primer ensayo en Japón era “Makuranosoushi” por Seishonagon (fecha probable entre 966 y1025), en época de Heian (fin del siglo VIII hasta el fin del siglo XII) Este escrito mencionado anteriormente, es el primer ejemplo de un buen ensayo en Japón por contener varias frases de naturaleza, asuntos humanos capturadas agudamente, con sensibilidad calurosa, teniendo un impacto importante para el futuro modelo y el apogeo de la literatura japonesa.
Otro autor digno de mencionarse es Kamono Chomei (feca probable entre 1155 y 1216), de la época de Kamakura (1192-1333), con su obra “Hojyoki”, nombrándose la literatura del ensayo superior, considerándose un libro de la expresión del pensamiento de un escritor, descrito con un plan bastante claro. Respecto a otro famoso, Kenko Yoshida (1283-1352), que escribió "Tsurezuregusa", tenía influencia de “Makuranosoushi”. Una de las explicaciones razonables por la cual este tiempo tiene mucha escritura del carácter de ensayo, es porque era el formato idóneo escogido para expresar el pensamiento en el momento decisivo cuando en la relativización del sentido tradicional de valores de la dinastía.
Después de Primera Guerra Mundial, es el principio de respeto a la personalidad y pertenece al período de Taisho (1912-1926), se combina con el desarrollo rápido del periodismo y el ensayo individualizado, siendo probablemente el momento de fusión de los dos conceptos (oriental y occidental). Es ahí también el momento histórico donde el ensayo parece haber establecido una posición como un género de la literatura, adoptándose y adaptándose al ensayo de Europa. Un ensayo de la literatura por el escritor especializado frecuentemente es descrito por su tiempo y hay escritores contemporáneos muy conocidos mundialmente como Ryunosuke Akutagawa, Junichiro Tanizaki, Saneatsu Mushanokoji etc.
¿Cómo realmente puedo comenzar la redacción de un ensayo? Actualmente la sociedad de información avanzada nos inunda de muchos datos por Internet, televisión y otros medios. Por lo mencionado, se presenta una fuerte contradicción, demasiadas fuentes que se pueden interpretar de múltiples hasta innumerables maneras. Es bastante complejo entender y resolver el camino por dónde empezar y a qué “puerta tocar”. Hay casos de autores que incursionan a varios ámbitos como es el caso del famoso escritor y semiólogo europeo Umberto Eco. Su libro “Como hacer una tesis” es de un carácter de manual y desarrolla una serie de estrategias para armar un trabajo escrito científico. En su otra obra “El péndulo de Foucault” construye un ensayo con un trasfondo bastante científico. Por consiguiente, es un claro ejemplo que muchos documentos escritos ofrecen cómo se crean y publicaran libros y por lo tanto es interesante incursionar en muchas áreas y géneros literarias para poder producir un trabajo de tesis de buen contenido.
Si se procurara encontrar la diferencia en significado entre la tesis y ensayo, se podría constatar que una tesis es un gran conjunto de frases redactadas lógicamente sobre un determinado tema, es un informe que contiene partes muy definidas como son un principio (introducción / el asunto principal), el desarrolló de investigación (hipótesis que se busca comprobar) y el fin (conclusiones). En cuanto al ensayo, se le concede una gran importancia a la sensibilidad, a la diversión del desarrollo de la historia, a la libertad e intuición individual, y a veces, excluyendo la lógica. En resumen, la tesis procura lógica, racionalidad, objetividad y comprobaciones; y el ensayo se apoya en concepto personal de la sensibilidad y sin metodologías estrictas.
Pero ahora utiliza palabra ensayo como el significado tesis. Redactar consiste en poner por escrito un pensamiento, una opinión, etc., aunque no todo tipo de escrito (o también llamado redacción) es el apropiado dentro del mundo académico. Al escrito académico lo llamamos ensayo. El ensayo es un tipo de prosa que brevemente analiza, interpreta o evalúa un tema. Se considera un género literario, al igual que la poesía, la ficción y el drama. El ensayo con el que se suelen encontrar los estudiantes es el ensayo que constituye una pregunta de tarea o examen y que se diferencia de otros tipos de redacción...[1]
El simple hecho que se inicia el proceso de tesis, se cree el vínculo natural, se ofrece la tal sabiduría del antecesor que se vuelve a interpretar para un nuevo estudio con probabilidades de descubrimientos frescos. Este proceso forzosamente conlleva aun registro escrito (tesis, artículo), dejando la posible y perpetua conexión a la próxima generación.
Bibliografía consultada y complementaria
Umberto Eco, “Como se hace una tesis”, Japón, Jiritsu-shobo, 1991.
José Luis Gómez Martínez, “Teoría del ensayo”, México, UNAM, 1992
Loraine Blaxter, Christina Hughes, Malcolm Tight, “Cómo se hace una investigación”, Barcelona, Gedisa, 2000
Phyllis Creme, Mary R. Lea, “Escribir en la universidad”, Barcelona, Gedisa, 2000
Tesis consultadas
Yolanda Gamboa, “GUIA PARA LA ESCRITURA DEL ENSAYO”, Pretoria, South Africa: UNISA P., 1997.
Sitios y páginas en internet citados
Zuihitsu
http://100.yahoo.co.jp/detail/%E9%9A%8F%E7%AD%86/
http://homepage2.nifty.com/zhuang-zhou/sonotaF/whzh.html
[1] GUIA PARA LA ESCRITURA DEL ENSAYO
Yolanda Gamboa, Assistant Profesor of Spanish, Florida Atlantic University
El texto que incluyo a continuacion, principalmente para el uso de mis estudiantes, es una
version revisada y ampliada de mi anterior Gamboa, Yolanda. gEl ensayo.h Estrategias de
comunicacion y escritura. Only Study Guide for SPN-211-R. Ed. Yolanda Gamboa et al.
Pretoria, South Africa: UNISA P., 1997. 82-88.
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