Congreso Internacional Japón y México

http://www.manimegrafica.org/

Ciclo de Conferencias

VIERNES 30 DE ABRIL
Museo de Antropología de Xalapa
JORNADA INAUGURAL
Gobernador del Estado de Veracruz, Mtro.Fidel Herrera Beltrán
Sr. Keizo Tanaka, Presidente del Comité de los 400 años.
Sr. Masaki Ono, Embajador de Japón en México.
Agradecimiento a la Sra. Masako Sakai de Kasuga
CONFERENCIAS
Carlos Kasuga Osaka, Empresario Japonés Radicado en México

EVENTO CULTURAL
Musica Tradicional de Japón, Mtra. Yoshiko Nishimura. 
Exposición Cultural Japón en México.

SÁBADO 1 DE MAYO
CICLO DE CONFERENCIAS
SHIGERU SEKIGUCHI Últimas circunstancias del OTAKU / sobre Doujinshi.
GERARDO SUZÁN Al vuelo, un viaje por la ilustración y por los libros.
MASAKI MOTOI Representación gráfica de Hiroshima.
¡KA-BOOM! ESTUDIO Introducción al noveno arte
MAURICIO HERRERA Fantasía Heroica: Ilustración y color digital.
MOTOKI OHNO Obra de Motoki Ohno sobre animación
TRINO "Mi proceso Creativo"

DOMINGO 2 DE MAYO
CICLO DE CONFERENCIAS
Escuela Gestalt de Diseño
10:00 - 12:00
MARIKO KOIZUMI (Universidad de Seika, Japón) Teoría de Mercadotecnia de Anime y Manga. 
GRUPO EDITORIAL VID ( Julio Espinoza, Sergio Amante y Orduña) Mercadotecnica del Cómic en México.

PREMIACIÓN 
Escuela Gestalt de Diseño
12:00 - 14:00
Concurso de Ilustración.
Concurso de Cosplay
Lectura de la "CARTA DE XALAPA".

Arte contemporáneo japonés y cultura popular

Arte contemporáneo japonés y cultura popular

1. Desarrollo de la cultura de historieta y animación japonesa

CHOJYUGIGA es un estilo de pintura japonesa que se desarrolló entre los siglos XII-XIII, éste es considerado como el origen de historietas japonesas por la descripción y características que utilizaba. Una de las caricaturas, empezó a circular gracias a la creación de nuevas técnicas de impresión.  

Después de la época de Edo, se empezó a publicar una sátira como un libro cómico el cual estuvo influenciado por historietas de la sátira occidental. Éstos tuvieron gran aceptación por parte del público y, por lo tanto, su influencia social aumentó.

Las historietas modernas y sus técnicas comunes de expresión se establecen formalmente después el período de Taisho, pero por la falta de suministros y regulación de información durante Segunda Guerra Mundial, las historietas tuvieron un declive temporal.

Durante el periodo de postguerra, surgen numerosos títulos, incluso Osamu Tezuka incorpora su trabajo en AKAHON (libro de historietas de bajo costo que se vendía en tiendas, dulcerías entre otros).

Gracias a la aparición en 1959 de las revistas semanales "Shonen Magajin” (Kodansha) y "Shonen Sanday” (Shogakukan) fue establecida la estructura de las historietas.

La animación que empezó a producirse en Europa y América durante el siglo XX llegó a a Japón durante el último periodo de Meiji, lo que propició que la producción de la animación japonesa surgiera entre los años 1916 y 1917.

Tiempo después, luego de la Segunda Guerra Mundial, el espíritu de los autores japoneses se había levantado y existía una mayor cantidad de presupuesto para gastar, como resultado, se alcanzaron mejoras en las técnicas de producción. La producción cinematográfica de las historias animadas se reanudó después de la guerra, lo que trajo creaciones más grandes.

Las producciones más pequeñas, lograron ser reconocidas gracias a la animación Toei durante 1956, además del establecimiento de la compañía Mushi durante 1962. Una de las producciones más importantes de esta compañía (creada por Osamu Tezuka) fue Astroboy, la cual vio la luz pública en 1963. Después de estas producciones, surgieron programas de otros grandes animadores como Hayao Miyazaki y Yoshiyuki Tomino.

La evolución de las creaciones brinca hasta la televisión, ya que entre las historietas impresas y este medio existe mucha interacción debido a que las historias escritas se transforman en programas audiovisuales y viceversa. Debido a ello, Osamu Tezuka se acerca a la industria de la animación y es así como crea Mushi producción.

2. Figura y arte contemporáneo

Figura y arte contemporáneo - las intenciones del artista

ASAI Toshihiro / Jefe de curador de Centro de Art Contemporáneo Torre Mito

En 1996, Murakami Takashi, uno de unos artistas japoneses que trabajan activamente en la escena de arte internacional, creó el "Proyecto lanzado Ko2 [el koko]," un proyecto de arte que consistía en desarrollar una figura original durante la Fiesta de la Maravilla y Verano en colaboración con Kaiyodo. Este proyecto tuvo una secuela "Los 2 Mission.Project Ko2", una instalación mostrada en "Ganar-Fes" en 2000. Ya en 2003, "Proyecto Ko2 (Srta. Ko2)", fue vendido en la casa Christie’s en Nueva York por $567,500.

En el mismo año, se introdujo un shokugan (juguetes diminutos que vienen con dulce)  de Murakami Takashi. El tema para la Casa de Japón en la novena exhibición de arquitectura internacional durante la bienal de Venecia 2004 fue "OTAKU: persona-espacio-ciudad" en donde se desplegaron los trabajos realizados por Kaiyodo y el artista Oshima Yuki.

Tiempo después, una galería en Soho en compañía de Fundación de Cartier para el Arte Contemporáneo invitaron a Bome a exhibir sus trabajos como artista de arte contemporáneo.

Es todo simple y fácil defender, después de aumentar la tal evidencia circunstancial, eso figura es las obras de arte. También es un tema interesante para la conversación para discutir la relación entre la cultura y figura; e.g. encontrando a un modelo del diorama en un arreglo de un jardín miniatura llamado el "bonkei" con una tradición que regresa al período de Muromachi en Japón (1336.1573 DC) o rastreando las raíces de shokugan en "netsuke (En traje japonés y el arte decorativo, un objeto pequeño talló en madera, marfil, hueso o cuerno o forjado en metal y agujereó con agujeros para cordones por los que se conecta, para conveniencia, y los objetos similares llevaron en el cinto)," qué ha sido mucho tiempo muy popular para. Lo al que debemos prestar la atención más, sin embargo, es ese bonkei desarrollado hacia la abstracción, no para la representación, y el netsuke no creció como un "modelo miniatura" para goce pero desarrolló como un accesorio ornamental para una moneda o la bolsa que fuma.

Recíprocamente, si uno es sensato bastante para declarar esa figura simplemente es nada más que un juguete y por consiguiente no es un trabajo de arte contemporáneo, puede considerarse que él/ella es una persona feliz. ¿Es un juguete-como escultura o arte de los medios de comunicación como un juego de la arcada? En el pasado, allí usó para ser una jerarquía rígida entre las artes genuinas, destrezas y juguetes en una estructura. Hoy, sin embargo, es difícil de clasificar los bellas artes y otros basaron en cosas así condiciona como la técnica / métodos, materiales, que la distribución encauza, mientras ocupándose de galerías y la categoría de grupo.

También es difícil declarar definitivamente que modelos no son las obras de arte porque son imitaciones de los originales. Seguir el mismo tema incluso, cima-alineando los modelistas incorpora su originalidad en sus trabajos como creadores. Y arte, el arte contemporáneo en particular, se comprende en el tejido de citas.

Además, el argumento que el shokugan no es ningún arte que porque se fabrican en serie o no es basado en evidencia. En ese caso, no se considerarían impresiones del bloque y fotografías como obras de arte porque son las copias. Es un hecho, claro, ese impresiones de vendimia de especial son más estimadas que las fotografías ordinarias, pero es más de un problema del distribucional que el valor estético. Tal un argumento se concluyó en el momento de Duchamp. Marcel Duchamp exhibió su trabajo tituló "Fuente" en la Exhibición Independiente en Nueva York en 1917 que eran un urinario listo-hecho ordinario con nada agregados pero su escritura "R. Bobo 1917. " En el momento, se recibió sensacionalmente en parte porque era un urinario. Pensar atrás en esos días, me siento que debe de haber habido una atmósfera pastoral incluso porque tal un tema pequeño pudiera causar un gran interés. La razón por qué este trabajo dibujó que la gran atención era que, Duchamp, presentando un artículo fabricado en serie como su trabajo, tomó su posición en ángulo recto contra la vista vieja de arte que las obras de arte deben ser creaciones de genios no mundanos llamó a artistas. Duchamp cuestionó el mismo concepto de "arte," y este tipo de arte se llama el "anti-arte" cuando opone el arte.

Así, se llama arte que tiene un punto fuerte protestando contra el pasado que se incluye el "arte vanguardista". Originalmente, la "vanguardia" es una expresión militar y en arte que emplea este término, artistas padecieron una obsesión que ellos estarían bajo el ataque y tendría que ser puesto al día. Lo después de todo el que este "anti-arte" hizo, sin embargo, era ningún más de haber extendido el armazón de "arte". En un sistema duro capitalismos llamaron, el veneno de "anti-arte" fue debilitado y produjo los trabajos de ese Duchamp se vendió y compró a los precios altos como obras maestras clásicas de arte contemporáneo.

 

En contraste con este movimiento, había otra forma de confrontación con arte en los días precedentes. Es "no-arte" representado por arte del estallido. Se usan imágenes comunes en propósito para exponer la ironía en la sociedad contemporánea y como ellos se significan para la crítica social, se reconocen y categorizaron como arte. Sería considerado una pregunta tonta si preguntamos si los trabajos de Warhol u Hockney son el arte o no.

¿Jean-François Lyotard, filósofo francés de pensamiento contemporáneo, describe las tendencias de arte contemporáneo en un pedazo conciso de escribir como sigue, "Qué espacio Cézanne desafían? Los Impresionistas. ¿Qué objeto hace Picasso y desafío de Braque? Cézanne. ¿Con qué presuposición Duchamp rompen en 1912? La idea que uno tiene que hacer una pintura del cubista incluso a una pintura. Y Buren examina otra presuposición que cree emergido intacto del trabajo de Duchamp: el lugar de la presentación de trabajo. Es una aceleración asombrosa de cambios, con una nueva generación que viene uno detrás de otro." (v)

Y pueden describirse tipos de arte que está popular en este momento como arte para disfrutar como entretenimiento o el arte curativo que las personas pueden experimentar cómodamente. Ciertamente, desde que el palabra "arte" se derivó del ars (arte), no puede negarse que el arte tenga los tales aspectos prácticos como las terapéuticas y sanando. Art es, sin embargo, no necesariamente una herramienta curativa. Sería una historia triste si el arte sólo podría apreciarse cuando es de uso práctico. Aparte de esta pregunta, si los cambios en arte que asumió el lugar de los tiempos modernos con respecto a sus calidades, sitios de una acción y maneras de presentación, podría expresarse en palabras, diría que es ninguna "expansión" ni "progreso" de arte, sino "diseminación de arte". Si pudieran aplicarse las reglas de entropía a todos los fenómenos, la diseminación de arte seguiría esas reglas también. Sin embargo, cuando tenemos una joroba de "muerte termal" sobre las reglas de entropía (aunque hay una opinión que el universo nunca se encontrará con "muerte termal", no podemos demostrarlo sin embargo), sería ningún más largo la diseminación de arte pero la dispersión de arte.

Si el campo llamado que el arte no existe a priori y si las maneras de arte cuando pudieran ser se diseminan ilimitadamente, lo que debe cuestionarse no es el argumento de si la figura es el arte o no, pero qué arte es o qué arte contemporáneo es en particular. Esta pregunta requiere la gran especulación.

3. Influencia al mundo

Se realizan varias exhibiciones y existe el evento de la cultura japonesa en varios países. Por ejemplo en el caso de Japón, en la ciudad de Kioto se fundó el Museo internacional de MANGA en noviembre de 2006. Este museo surgió gracias a la colaboración con la Universidad de SEIKA en Kioto.

http://www.kyotomm.jp/

Listo de los eventos importantes del mundo

Alemania: AnimagiC

         http://www.animania.de/animagic.html

Inglaterra (Londres): THE INTERNATIONAL MANGA AND ANIME FESTIVAL (IMAF)

                   http://www.imaf.co.uk/index.php

         Game On
         http://www.sciencemuseum.org.uk/

Francia (Paris): JAPAN EXPO

              http://www.japan-expo.com/

U.S.A. (Nueva York): Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture

      http://www.japansociety.org/

                    Comic-Con（“Comic-Con International San Diego”）

                    http://www.comic-con.org/index.php

Austria: Tezuka the Marvel of Manga

        http://www.ngv.vic.gov.au/tezuka/

Canadá y U.S.A.: Shojo Manga! Girls' Power!

http://www.csuchico.edu/~mtoku/vc/Exhibitions/girlsmangaka/girlsmangaka_index.html

México: TNT

        http://www.tntvirtual.com.mx/

        The "World Cosplay Summit"

        http://www.tv-aichi.co.jp/wcs/e/index.html

 

4. Influencia de cultura popular actual de México en Japón

Lucha Libre

El Lucha Libre de México siempre ha tenido una influencia en la lucha libre profesional japonesa.

Además, una película de lucha libre se llama “Nacho Libre” y una animación de “Mucha Lucha” había muestra recientemente en Japón.

http://www1.plala.or.jp/LUCHA/

Por otro lado, el artista Tomohiro Yasushi es creador de figuras inspiradas en la lucha libre denominadas “Kami Robo”. Tiempo atrás, cuando él vivía en México, diseñaba máscaras para los luchadores en México, fue así como se introdujo a este mundo.

Kami Robo es un gran éxito, de hecho, con los muñecos que fabrica, realiza luchas en vivo en verdaderas arenas para la lucha libre. Este espectáculo ha traspasado las fronteras de Japón hacia otros países como Londres y Estados Unidos.

http://www.kami-robo.com/

http://kamiroboent.com/

Anexo

¿OTAKU?

Dentro del trasfondo avasallador de la sociedad que se fragmenta en grupos y tribus, existe una persona que es capaz de perder su identidad mexicana para convertirse en un fanático que vive a través de la ideología del país Nipón, este ente es llamado Otaku y poco se percata de los trastornos o anomalías que está confrontando a partir de ciertas tendencias transmitidas en las animaciones importadas que están pensadas para los habitantes de sus países de origen.

En primer lugar, el Otaku adoptó una palabra poco beneficiosa, pues en Japón los ideogramas que representan a esta palabra son interpretados como persona fanática que deja de lado las tareas cotidianas por su amor a un determinado hobby. A partir del concepto anterior, se originaron otros más denigrantes que tienen una estrecha relación, pues el país del sol naciente, conocido por su estricta forma de vida, señala a los jóvenes que se enajenan con palabras como Hikikomori y Ronin. El Hikikomori es una aseveración del Otaku, es una persona que ya perdió todo interés por salir al mundo real, vive de fantasías, comida rápida, anime y videojuegos. El Ronin, es descrito como una persona errante, sin futuro, ya que no aprobó los exámenes extraordinarios para acceder a la Universidad japonesa.

Para distinguirse de los numerosos tipos de Otaku, los adeptos al anime, manga y videojuegos se han hecho llamar Akiba Kei. Este concepto tiene connotaciones más puras, pues simplemente significa “Estilo Akihabara”. Akihabara es un distrito comercial japonés que se encarga de vender lo mejor de la tecnología, anime, manga y videojuegos.

En México el boom Otaku se dio durante los años ochenta gracias a la aparición de diversas series importadas por las grandes cadenas televisivas del país. Se proyectaron animes como “Mazinger Z”, “Candy Candy”, “LalaBell”, “Los Caballeros del Zodiaco”, entre otros. Durante los noventa se vivió la inserción del término Otaku, se instauraron grandes convenciones, se abrieron espacios comunicativos por medio de revistas especializadas y se compraron grandes éxitos de la animación japonesa como: “Dragon Ball”, “Sailor Moon”, “Las Guerreras Mágicas”, “Ranma ½” y “Sandy Bell”.

Desafortunadamente el público mexicano cayó en la ignorancia total acerca de las animaciones proyectadas; la censura apareció, los padres de familia se mostraron inconformes y los seguidores del género creían que se podía entrar a Japón gritando que eran Otakus, sin saber la etiqueta que este sobrenombre les brindaba.

La ideología Otaku realmente se confunde con un fanatismo hacia Japón y sus países similares, sus formas de comportamiento pueden ser drásticas, desde abandonar la comida oriunda del país hasta pretender celebrar festivales y tradiciones japonesas; su manera de vestir cambia, así como sus gustos musicales y la participación en costumbres y tradiciones mexicanas.

Los Otakus expresan su desdén hacia todo lo que rompa con la cultura idealizaday que crearon a partir de lo proyectado en el anime, manga y videojuegos.
Increíblemente, hay puntos buenos dentro de esta globalización estructurada, los jóvenes se esfuerzan por aprender, informarse, adoptan ciertos valores de las animaciones y se alejan de ciertos vicios, como el alcohol y las drogas.

Es importante que se creen ciertos programas (informativos) que orienten a los Otakus, que les transmitan que su hobby es sólo eso, una alternativa más y que se puede tratar como un aspecto cultural que los forma y los prepara de manera entretenida.

Vista a Basílica de Guadalupe en 27 de Enero de 2010

Visita al Templo de Guadalupe en Xalapa/11.12.2009

Imagen del bordado de Virgencita

Imagen del bordado de Santa María Guadalupe

Exposición de Museo de Antropología de Xalapa 19.Nov.2009

Se buscan Guadalupes

 

Los rostros que nos miran a través del papel fotográfico, en apariencia distantes y aislados  entre si, tienen dos moradas en común: el espacio geográfico, Morelia y el nombre, Guadalupe. El hecho de que puedan coincidir aquí y volcar la diversidad de sus miradas sobre nosotros se hace posible a partir del trabajo de Ryuichi Yahagi y de su proyecto “Se buscan Guadalupes”. Éste comienza con la premisa de que el nombre de Guadalupe es de gran importancia histórica y religiosa en México y, por tanto, es asignado  a una gran cantidad de personas como una forma de nombrarles significativamente. Ante esto Yahagi se pregunta ¿Quiénes se llaman Guadalupe? Justamente en ese punto se articula su trabajo: en el ir constantemente en búsqueda de las personas que día a día viven con este nombre y encontrarlas en los lugares que transitan cotidianamente. Dicho de otra forma, se logra un acercamiento a la heterogeneidad de modos de vivir partiendo de una aparente homogeneidad.

En el proceso Yahagi se encuentra con decenas de individuos que se están creando continuamente a partir de sus condiciones espaciales, sociales e históricas y, en el acto, recreando un nombre. A través de los y las Guadalupes entrevemos que en este espacio confluyen personas de una gran variedad de entornos, creencias, tradiciones, pensamientos, con diferentes modos de habitar el mundo y, por tanto, de habitar su nombre. Por dar un ejemplo: entre los rostros que vemos encontramos a quienes se apegan con gran aprecio y cariño a las implicaciones religiosas de Guadalupe o también a quienes lo llevan  con mucho orgullo sin que necesariamente sea por su importancia católica. Por el contrario, hay quienes se llaman  así  resignado(a)s a no poderse llamar de otra manera y  quienes lo esconden tras un segundo nombre como una forma de negarse a habitar el Guadalupe o como una forma de indiferencia.

Aunque en un principio se busca el-nombre-común con lo que Yahagi se topa es con las diferencias que en él se albergan. De esta manera, nosotros al enfrentarnos a estos rostros estamos ante una infinidad de historias que comprueban que el significante no tiene un significado único y especifico sino que se significa sólo en la medida en que se habita en él, en que se reinterpreta continuamente.

En este sentido “Se buscan Guadalupes” requiere, en definitiva, una mirada  cómplice  que  no sólo repare en el hecho de que las personas que han sido fotografiadas tienen un nombre en común sino que escudriñe en cada rostro la multiplicidad de significados  que moran en Guadalupe.

 

Maribel Escobar

 

 

Mi obra esta seleccionada para Bienal Monterrey

INFORME DEL JURADO

En la sede del Comité Organizador de la Bienal Monterrey FEMSA, situada en la Avenida General Anaya 601 Pte. Col. Bella Vista, de la ciudad de Monterrey, N.L., se reunió los días del 3 al 7 de septiembre de 2009 el Jurado Calificador de la

IX BIENAL MONTERREY FEMSA

para cumplir con la etapa de selección prevista en la convocatoria.

El jurado, conformado por el artista plástico Philippe Louisgrand y los críticos de arte Juan Coronel, Ramiro Martínez, Xavier Moyssén y Osvaldo Sánchez, examinó 3,362 obras; 2695 de ellas en formato bidimensional y 667 en formato tridimensional, correspondientes a 1218 artistas. Después de analizar y de discutir entre sí, reservada y libremente y debido a la alta participación de los artistas así como la diversidad de las obras, el jurado decidió seleccionar para ser expuestas y tener opción a premio, 96 obras; 72 en formato bidimensional y 24 en tridimensional, correspondientes a 82 artistas, lista de los cuales se anexa a la presente.

El jurado concluyó esta fase de la tarea a las 16:00 horas del día 7 de septiembre de 2009.

Franco Aceves Humana  Guillermo Álvarez Charvel  Carlos Adrián Angrigiani Oscar Bächtold López Juan Sebastián Beltrán Padilla  Cannon Nancy Bernáldez Bazán  Alberto Calzada  Lucía Castañeda Garma  José Luis Cendejas Hinojosa  Colectivo Doble A  Colectivo La Lucha Libre  Miguel Ángel Cordera Orozco  Hugo David Corona López  José Luis Cuevas García  Armando De la Garza Garza Edgar Durán Guadarrama  Oscar Augusto Farfán González Carlos María Flores Riveira Liliana Gálvez Heras Claudia Elizabeth García Calderón  Ana Lucía Gómez de Valle  Verónica Gómez Guerrero Marcelino Augusto González Barsi Juan Manuel González Fernández  Brenda Anel Guido Serrano Rubén Gutiérrez Garza Mabel Gisela Gutiérrez Herrera  Gabriela Gutiérrez Ovalle  Martha Lilia Guzmán Marín  Daniel Habif Cohen  Jesús Jiménez López Araceli Juárez Doblado  José Carlos Jurado Pablo José Lazcarro Toquero Miguel Ángel Ledezma Campos  Carolina Levy Handal  Pablo López Luz  César López y López Jacqueline Judith Lozano Murillo Christian Maciá de la Orta

Miguel Ángel Madrigal  Juan Alberto Mancilla Gallardo  Rubén Gabriel Marcos Marcos  Andrea Martínez Pérez  Ulises Matamoros Ascención  Luis Rodrigo Medina Caraballo  Miriam Medrez Rudman  Nuria Margarita Menchaca Brandan Jorge Eduardo Méndez Blake Guillermina Mendoza García Ulises Mendoza Hernández  Juan Carlos Merla Rodríguez  David Eduardo Miranda Flores Yolanda Mora Pérez-Tejada  Hugo Leonello Núñez Marcos  Juan José Ochoa Albarrán Roberto Ortiz Giacomán  José Alejandro Osorio Flores Alejandro Palomino Ortiz Alan Pfeiffer Arauzo Raúl Quitanilla Alvarado  Mario Federico Rangel Faz  Pablo Rasgado Quintanar  Ricardo Martín Rendón Machain Elisa Rodríguez Malo José Luis Rojas Pacheco  Marco Vinicio Rosales Hernández Armando Ramsés Ruiz Romero  Enrique Alejandro Saavedra Calixto Emilio Said Charruff  Damián Siqueiros García  Oscar Rafael Soto Barbosa  Billy Jason Soto López Oscar Alberto Soto Lozano  Zoé Treviño Vizcaíno  Mariana Vargas Palma Héctor Velázquez Gutiérrez Jerónimo Vázquez Melo  Fernando Villalvazo  Ryuichi Yahagi Honma

El Comité Organizador de la Bienal informará a cada artista de la(s) obra(s) seleccionada(s).

La siguiente etapa será la exposición de las obras seleccionadas y la entrega de los Premios de Adquisición y Menciones Honoríficas para cada formato participante, así como por Estado Representado según sea el caso. Esta se llevará a cabo en el Centro de las Artes en la ciudad de Monterrey en el mes de noviembre del presente.