10.20.2008
Ensayo1 sobre Arte urbano
El latente propósito del arte público es poner y presentar la obra plástica en un ámbito público para las personas y población en general, procurando agregar mérito extra y cultural a la ciudad y/o crear a una escena más amplia y abierta de obra de arte. Además, el arte público es diferente a las experiencias tradicionalistas como son un cuadro o la escultura dentro de una galería o museo donde el espectador tiene experiencias y una apreciación más intima o reducida. La propuesta y trabajo público está expuesto todos los días en espacios muy transitados y extravertidos, permitiendo que el número de gente que lo consume sea mucho mayor y que esta acción pueda ser vivida todo el tiempo y al mismo tiempo por muchos.
Es un ideal que un trabajo sea gestionado e instalado gracias a la cooperación y la comprensión de toda una comunidad, incluyendo al artista, que hace también los acciones donde logra considerar e integrar al gobierno, un cuerpo autónomo, una compañía, la propia comunidad con todos sus habitantes. La entera labor de gestión y vinculación sirve para planear la escena (site specifity), que corresponde a la especialidad del suelo para la final instalación del producto público, realizando solicitudes de ubicación, cooperando con todo el entorno. Sin embargo sucede que se presentan muchos casos donde se hace una orden de un trabajo público sin que realmente el gobierno realice su parte de tarea, “olvidando” comunicar la información adecuada a los habitantes sobre el proyecto o sobre la instalación. En pocas palabras, en varias ocasiones las autoridades en estas situaciones no ofrecen la necesaria transparencia y procuran cubrir ciertas informaciones al público
Como siempre, en las obras artísticas públicas existe el objetivo para realizar determinadas políticas. Además, es a menudo que el artista es usado por el político para cuestiones individuales y lucrativas. En estas ocasiones el interés se pierde y desaparece de ambos lados, el ciudadano se siente excluido, no involucrado y la obra plástica pública real construida de la mencionada manera se deteriora rápidamente. La razón no es solamente porque el testimonio de la ciudadanía sea herido, si no que la misma nunca se apropio del producto y por lo tanto no se presentó ni creó ninguna necesidad de significado y por lo mismo una obligación de mantenimiento. Todos los daños, deterioros y perdidas materiales en los inmuebles artísticos urbanos no provocan ningún sentimiento de culpabilidad y preocupación a la comunidad y muy brevemente el “trabajo o gestión turbia gubernamental” se pone y aparece fea y/o destruida, transformándose en la ”basura” de esta ciudad, una imagen urbana que recuerda un hecho (testigo) social desagradable, definitivamente la polución y un elemento que despierta ganas de hacerse desaparecer.
Mencionaré una escultura de Richard Serra que paso por la ciudad de Nueva York en la plaza federal en la ciudad, citando lo siguiente:
En 1981, Serra instaló el “Tilted Arc”, un muro de acero de 3.5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en New York City. Hubo una gran controversia sobre la instalación a partir del día uno, en gran parte debido a que los trabajadores de los edificios que rodeaban la plaza se quejaron debido a que la pared de acero obstruía el paso a través de la plaza. Una audiencia pública en 1985 votó a favor de que el trabajo fuera removido, pero Serra alegó que la escultura estaba en su sitio específico y que no se podía colocar en cualquier otro lugar. Serra publicó una declaración famosa donde dijo, “Quitar el trabajo sería destruirlo.” Finalmente, el 15 de marzo de 1989, la escultura fue desmontada por los trabajadores federales y desechada posteriormente.
En una opinión y vivencia personal, cuando trabajé con el arquitecto japonés Tadashi Okada que usa la Fen Shui, presencié como selecciona un lugar ideal, que para esta opción de construcción, la cosa que más importancia tiene es la armonía con el lugar, la persona y hechura de naturaleza de la ciudad.
Es bastante difícil encontrar ciudades grandes que no tengan un río grande. Por lo regular, los importantes asentamientos siempre han buscado agua para prosperar. La civilización prospera por lo regular se encuentra en naturaleza y el lugar lógico. ¿Entonces qué sucede con la Ciudad de México en la actualidad?
Lo que se puede decir con certeza es que en tiempo presente no existe un río grande en la ciudad de México. ¿Entonces por qué este lugar se volvió la ciudad más grande? Según el arquitecto mencionado, en el pasado, antes de que España conquistara a México un río parece haber fluido del área del Zócalo a Xochimilco
Por el proceso de crecimiento de la ciudad, parece que se hizo tapar el río que se encontraba en esta zona. También según el arq. Tadashi Okada, se podría concluir que por tal situación la civilización urbana presente perdió y desapareció la armonía con naturaleza y hizo que se derrumbará este fenómeno en esta ciudad. El único consuelo que se conserva es que ahora todavía fluye a través del “sótano” de la Ciudad de México (en cantidades reducidas en el suelo subterráneo), pero sigue pendiente recuperar este río superficial y que éste volvería y que proporcionara mejores condiciones a esta ciudad.
Cuándo el dicho autor diseña un edificio en un cierto lugar, siempre cuestiona toda la topografía del sitio de construcción en un radio de 1km, a parte lo que está allí cercano, qué tipo de construcciones se edifican y la historia del lugar porque se vuelve el elemento fundamental del funcionamiento. Por fin puede comenzar un plan de arquitectura, claro, el diseño de edificio parece cambiar las vidas dependiendo del tipo de uso.
Este breve paréntesis sobre una experiencia personal, la expuse para despertar ésta idea y para que se vuelva la conciencia del artista cuando se le pida que haga un trabajo en el lugar público.
Además, los lugares que antes eran poblaciones pequeñas cercanas a los grandes asentamientos, la ciudad llega, se extiende, alcanzándolas, ahogándolas y tragándolas rápidamente, sin ofrecer ninguna alternativa, dejando poca oportunidad para asimilación y compresión. En estos casos la armonía se vuelve una imposibilidad y todos los valores se desvanecen o dispersan, todo se transforma en un solo cuerpo demasiado acelerado, olvidando respetar los antiguos elementos del pueblo y su entorno.
Toda la obra, los edificios tienen que conseguir un lugar y armonía con persona y naturaleza y esto no es el caso en la transformación de la ciudad y la civilización urbana.
Teniendo estos indicadores en cuenta, pienso que es un deber y necesidad poner obra plástica en el lugar público. El arte público es el objetivo importante que agrega el mérito cultural a la ciudad, poniendo las obras de arte como se mencionó en los primeros párrafos. También es relevante que hay un gran valor y calidad de los habitantes y su participación desde el momento que se expone la obra en el lugar público. Por lo mismo, es recomendable que se aplique nuestro impuesto para ella, y entonces se les daría oficialmente el merito a la comunidad en particular, fabricando una relación y armonía muy estrecha entre los habitantes del lugar y la obra.
Además, pienso que en los tiempos contemporáneos el reconocimiento del arte público esta cambiando la situación. Es un hecho comprobado que la obra artística urbana tiene que tener una fuerte comunicación con los habitantes (espectadores) que viven allí. Otro factor que no se debe de descuidar en estos planteamientos es que el artista es uno de los elementos sociales, también.
Algunos matices pueden ser algo diferentes en sus sentidos, como por ejemplo el caso del proyecto de un artista japonés Tatsuo Miyajima que ha estado realizando con los habitantes de la ciudad de Nagasaki en Japón. En el proyecto de un carácter muy social y conceptual, el artista toma las semillas de un árbol (Kaki) que es uno de los sobrevivientes de la bomba atómica del 1945, y éstas las siembra en diferentes lugares públicos.
Esta mención la hago para poder ubicar mis intereses e inclinaciones en la obra que realizo. Pasa bastante a menudo en mi cotidianidad que pienso en proyectos relacionados sobre preocupaciones ligadas a la sociedad japonesa por el simple hecho que soy un japonés de origen. Miro las noticias japonesas en Internet todos los días, pero no hay tantas buenas noticias como malas, frecuentemente se informan detalles de asesinatos, especialmente entre gente que se conoce, como familiares y amigos.
¿Qué estará pasando con la sociedad? Pienso que tiene mucho que ver con un lugar (ambiente), armonía con la persona y naturaleza que se han ido decayendo y degradando. Aparentemente es la vida de la ciudad sin ninguna molestia, pero la tensión invisible ocurre allí de forma perpetua. El cobertor del videojuego y tecnología digital dará un gran cambio en el proceso de crecimiento de los niños y medio de comunicación.
Esto tiene una influencia magna en un método ideal del ser humano y la capacidad de la comunicación en general. Estos elementos digitales no eran tan comunes cuando era niño y por lo tanto pude todavía disfrutar de ciertas actividades como era el béisbol en el parque y en la calle con los vecinos.
En la educación para los niños es necesario que se procese una experiencia gestionada por un intercambiando directo con la naturaleza, la persona y la sociedad, involucrando interacción muy estrecha que procura desarrollar posibilidades de adaptación y formación en nuestra sociedad. Desgraciadamente este no es el caso de Japón donde estas oportunidades desaparecieron y no se ofrece la dicha situación para los niños. En México parcialmente no es un problema serio como Japón.
La educación de los niños debería de mejorar la sociedad de nuestro futuro. Puede decirse que es la compensación correcta de educación del pasado y tiene que ser generado ahora entre las familias. ¿Entonces cómo se debe de haber resuelto este problema?
Mi obra expone el tema de una relación con la persona. La persona no puede vivir de manera exclusiva y no puede nacer uno por sí mismo. La gente termina en un lugar de uno, asociándose con otro individuo. Es un aspecto ideal que permite aprender cómo puede uno asociarse bien con otra persona y con naturaleza, y es factor que ahora no se presenta en un niño de Japón, además, los padres no pueden ponerse en contacto muy eficiente con los niños, porque se producen presiones de ambos lados.
La idea personal general se dirige hacia este tema y su eventual resolución.
La propuesta se desarrollaría en un espacio público en Japón, con la colaboración de distintas familias que ayudarían buscar personas de esta área que tienen el mismo apellido y que íntimamente no están necesariamente relacionadas. Después de haberse hecho la convocatoria pública, se llevaría a cabo un registro y la documentación exhaustiva para poder tener la información puntual de la gente que estaría involucrada. Por pura obligación de cumplir, uno de los objetivos sería obtener un fenómeno natural masivo comunicativo de los participantes, a parte se va a presentar una comunicación más estrecha entre los propios familiares. La tarea de cada familia es buscar 100 personas de mismo apellido que sería otro objetivo principal del proyecto. Como último, la participación de todas esas familias hará que se reúna toda la información en un mismo lugar, donde se armaría un solo y único árbol de relaciones, que hará que se cree una sola y única conciencia. La hipótesis es que quizás la misma persona aparezca repetida varias veces en varias fotos y fácilmente se podrá notar que una persona se conecta inconscientemente a la persona en un lugar inesperado. Posiblemente con este contacto impacte y despierte ciertas manifestaciones nuevas algún día en el futuro de cada uno.
Como conclusión se puede afirmar que es probable vivir como artista en cierta sociedad, sólo que es un imperativo hacer actividades (producción) donde se contribuya a la dicha sociedad.
Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Serra
http://www6.plala.or.jp/kaki-project/
Es un ideal que un trabajo sea gestionado e instalado gracias a la cooperación y la comprensión de toda una comunidad, incluyendo al artista, que hace también los acciones donde logra considerar e integrar al gobierno, un cuerpo autónomo, una compañía, la propia comunidad con todos sus habitantes. La entera labor de gestión y vinculación sirve para planear la escena (site specifity), que corresponde a la especialidad del suelo para la final instalación del producto público, realizando solicitudes de ubicación, cooperando con todo el entorno. Sin embargo sucede que se presentan muchos casos donde se hace una orden de un trabajo público sin que realmente el gobierno realice su parte de tarea, “olvidando” comunicar la información adecuada a los habitantes sobre el proyecto o sobre la instalación. En pocas palabras, en varias ocasiones las autoridades en estas situaciones no ofrecen la necesaria transparencia y procuran cubrir ciertas informaciones al público
Como siempre, en las obras artísticas públicas existe el objetivo para realizar determinadas políticas. Además, es a menudo que el artista es usado por el político para cuestiones individuales y lucrativas. En estas ocasiones el interés se pierde y desaparece de ambos lados, el ciudadano se siente excluido, no involucrado y la obra plástica pública real construida de la mencionada manera se deteriora rápidamente. La razón no es solamente porque el testimonio de la ciudadanía sea herido, si no que la misma nunca se apropio del producto y por lo tanto no se presentó ni creó ninguna necesidad de significado y por lo mismo una obligación de mantenimiento. Todos los daños, deterioros y perdidas materiales en los inmuebles artísticos urbanos no provocan ningún sentimiento de culpabilidad y preocupación a la comunidad y muy brevemente el “trabajo o gestión turbia gubernamental” se pone y aparece fea y/o destruida, transformándose en la ”basura” de esta ciudad, una imagen urbana que recuerda un hecho (testigo) social desagradable, definitivamente la polución y un elemento que despierta ganas de hacerse desaparecer.
Mencionaré una escultura de Richard Serra que paso por la ciudad de Nueva York en la plaza federal en la ciudad, citando lo siguiente:
En 1981, Serra instaló el “Tilted Arc”, un muro de acero de 3.5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en New York City. Hubo una gran controversia sobre la instalación a partir del día uno, en gran parte debido a que los trabajadores de los edificios que rodeaban la plaza se quejaron debido a que la pared de acero obstruía el paso a través de la plaza. Una audiencia pública en 1985 votó a favor de que el trabajo fuera removido, pero Serra alegó que la escultura estaba en su sitio específico y que no se podía colocar en cualquier otro lugar. Serra publicó una declaración famosa donde dijo, “Quitar el trabajo sería destruirlo.” Finalmente, el 15 de marzo de 1989, la escultura fue desmontada por los trabajadores federales y desechada posteriormente.
En una opinión y vivencia personal, cuando trabajé con el arquitecto japonés Tadashi Okada que usa la Fen Shui, presencié como selecciona un lugar ideal, que para esta opción de construcción, la cosa que más importancia tiene es la armonía con el lugar, la persona y hechura de naturaleza de la ciudad.
Es bastante difícil encontrar ciudades grandes que no tengan un río grande. Por lo regular, los importantes asentamientos siempre han buscado agua para prosperar. La civilización prospera por lo regular se encuentra en naturaleza y el lugar lógico. ¿Entonces qué sucede con la Ciudad de México en la actualidad?
Lo que se puede decir con certeza es que en tiempo presente no existe un río grande en la ciudad de México. ¿Entonces por qué este lugar se volvió la ciudad más grande? Según el arquitecto mencionado, en el pasado, antes de que España conquistara a México un río parece haber fluido del área del Zócalo a Xochimilco
Por el proceso de crecimiento de la ciudad, parece que se hizo tapar el río que se encontraba en esta zona. También según el arq. Tadashi Okada, se podría concluir que por tal situación la civilización urbana presente perdió y desapareció la armonía con naturaleza y hizo que se derrumbará este fenómeno en esta ciudad. El único consuelo que se conserva es que ahora todavía fluye a través del “sótano” de la Ciudad de México (en cantidades reducidas en el suelo subterráneo), pero sigue pendiente recuperar este río superficial y que éste volvería y que proporcionara mejores condiciones a esta ciudad.
Cuándo el dicho autor diseña un edificio en un cierto lugar, siempre cuestiona toda la topografía del sitio de construcción en un radio de 1km, a parte lo que está allí cercano, qué tipo de construcciones se edifican y la historia del lugar porque se vuelve el elemento fundamental del funcionamiento. Por fin puede comenzar un plan de arquitectura, claro, el diseño de edificio parece cambiar las vidas dependiendo del tipo de uso.
Este breve paréntesis sobre una experiencia personal, la expuse para despertar ésta idea y para que se vuelva la conciencia del artista cuando se le pida que haga un trabajo en el lugar público.
Además, los lugares que antes eran poblaciones pequeñas cercanas a los grandes asentamientos, la ciudad llega, se extiende, alcanzándolas, ahogándolas y tragándolas rápidamente, sin ofrecer ninguna alternativa, dejando poca oportunidad para asimilación y compresión. En estos casos la armonía se vuelve una imposibilidad y todos los valores se desvanecen o dispersan, todo se transforma en un solo cuerpo demasiado acelerado, olvidando respetar los antiguos elementos del pueblo y su entorno.
Toda la obra, los edificios tienen que conseguir un lugar y armonía con persona y naturaleza y esto no es el caso en la transformación de la ciudad y la civilización urbana.
Teniendo estos indicadores en cuenta, pienso que es un deber y necesidad poner obra plástica en el lugar público. El arte público es el objetivo importante que agrega el mérito cultural a la ciudad, poniendo las obras de arte como se mencionó en los primeros párrafos. También es relevante que hay un gran valor y calidad de los habitantes y su participación desde el momento que se expone la obra en el lugar público. Por lo mismo, es recomendable que se aplique nuestro impuesto para ella, y entonces se les daría oficialmente el merito a la comunidad en particular, fabricando una relación y armonía muy estrecha entre los habitantes del lugar y la obra.
Además, pienso que en los tiempos contemporáneos el reconocimiento del arte público esta cambiando la situación. Es un hecho comprobado que la obra artística urbana tiene que tener una fuerte comunicación con los habitantes (espectadores) que viven allí. Otro factor que no se debe de descuidar en estos planteamientos es que el artista es uno de los elementos sociales, también.
Algunos matices pueden ser algo diferentes en sus sentidos, como por ejemplo el caso del proyecto de un artista japonés Tatsuo Miyajima que ha estado realizando con los habitantes de la ciudad de Nagasaki en Japón. En el proyecto de un carácter muy social y conceptual, el artista toma las semillas de un árbol (Kaki) que es uno de los sobrevivientes de la bomba atómica del 1945, y éstas las siembra en diferentes lugares públicos.
Esta mención la hago para poder ubicar mis intereses e inclinaciones en la obra que realizo. Pasa bastante a menudo en mi cotidianidad que pienso en proyectos relacionados sobre preocupaciones ligadas a la sociedad japonesa por el simple hecho que soy un japonés de origen. Miro las noticias japonesas en Internet todos los días, pero no hay tantas buenas noticias como malas, frecuentemente se informan detalles de asesinatos, especialmente entre gente que se conoce, como familiares y amigos.
¿Qué estará pasando con la sociedad? Pienso que tiene mucho que ver con un lugar (ambiente), armonía con la persona y naturaleza que se han ido decayendo y degradando. Aparentemente es la vida de la ciudad sin ninguna molestia, pero la tensión invisible ocurre allí de forma perpetua. El cobertor del videojuego y tecnología digital dará un gran cambio en el proceso de crecimiento de los niños y medio de comunicación.
Esto tiene una influencia magna en un método ideal del ser humano y la capacidad de la comunicación en general. Estos elementos digitales no eran tan comunes cuando era niño y por lo tanto pude todavía disfrutar de ciertas actividades como era el béisbol en el parque y en la calle con los vecinos.
En la educación para los niños es necesario que se procese una experiencia gestionada por un intercambiando directo con la naturaleza, la persona y la sociedad, involucrando interacción muy estrecha que procura desarrollar posibilidades de adaptación y formación en nuestra sociedad. Desgraciadamente este no es el caso de Japón donde estas oportunidades desaparecieron y no se ofrece la dicha situación para los niños. En México parcialmente no es un problema serio como Japón.
La educación de los niños debería de mejorar la sociedad de nuestro futuro. Puede decirse que es la compensación correcta de educación del pasado y tiene que ser generado ahora entre las familias. ¿Entonces cómo se debe de haber resuelto este problema?
Mi obra expone el tema de una relación con la persona. La persona no puede vivir de manera exclusiva y no puede nacer uno por sí mismo. La gente termina en un lugar de uno, asociándose con otro individuo. Es un aspecto ideal que permite aprender cómo puede uno asociarse bien con otra persona y con naturaleza, y es factor que ahora no se presenta en un niño de Japón, además, los padres no pueden ponerse en contacto muy eficiente con los niños, porque se producen presiones de ambos lados.
La idea personal general se dirige hacia este tema y su eventual resolución.
La propuesta se desarrollaría en un espacio público en Japón, con la colaboración de distintas familias que ayudarían buscar personas de esta área que tienen el mismo apellido y que íntimamente no están necesariamente relacionadas. Después de haberse hecho la convocatoria pública, se llevaría a cabo un registro y la documentación exhaustiva para poder tener la información puntual de la gente que estaría involucrada. Por pura obligación de cumplir, uno de los objetivos sería obtener un fenómeno natural masivo comunicativo de los participantes, a parte se va a presentar una comunicación más estrecha entre los propios familiares. La tarea de cada familia es buscar 100 personas de mismo apellido que sería otro objetivo principal del proyecto. Como último, la participación de todas esas familias hará que se reúna toda la información en un mismo lugar, donde se armaría un solo y único árbol de relaciones, que hará que se cree una sola y única conciencia. La hipótesis es que quizás la misma persona aparezca repetida varias veces en varias fotos y fácilmente se podrá notar que una persona se conecta inconscientemente a la persona en un lugar inesperado. Posiblemente con este contacto impacte y despierte ciertas manifestaciones nuevas algún día en el futuro de cada uno.
Como conclusión se puede afirmar que es probable vivir como artista en cierta sociedad, sólo que es un imperativo hacer actividades (producción) donde se contribuya a la dicha sociedad.
Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Serra
http://www6.plala.or.jp/kaki-project/
Plan de Trabajo de programa de semestre 1.
Programa de semestre 1.
Inicio de la investigación campo.
Buscar el símbolo de Guadalupe como imagen fuera de un contexto religioso y tomar fotos y recopilar estas imágenes.
Visitar unos estados a buscar personas con nombre Guadalupe durante todo el transcurso de la maestría. Objetivo: Integrar un grupo de imágenes de 1000 personas de Guadalupe aproximadamente. Pedir un apoyo para mi investigación y proponer este proyecto a cada institución de cada estado para presentar mi obra.
Calendario
Septiembre:
Comienzo buscar el símbolo de Guadalupe como imagen fuera de un contexto religioso y tomar fotos y recopilar estas imágenes en el campo y con el Internet.
Quisiera juntar aproximadamente 100 imágenes durante este semestre.
Octubre:
Buscar el nombre “Guadalupe” dentro del directorio telefónico de distrito federal.
Producir un prototipo de pintura, la tema es fusionar los significados (tanto de imagen y nombre) en un solo concepto que integre el contexto global y actual de Guadalupe.
Participar “Encuentro Nacional de Fototecas” en Sistema Nacional de Fototecas de Pachuca día 23, 24 de octubre y presentar una exposición del parte de proyecto “Se buscan Guadalupes” en la galería Leo Acosta en Pachuca.
Noviembre:
Comenzar pintar mas de 20 piezas de pinturas aproximadamente.
Pedir un apoyo para mi investigación y proponer este proyecto a unas instituciones de algunos estados para siguientes semestres. (estoy pensando visitar a estado de Tlaxcala, Zacatecas, Querétaro o Oaxaca)
Diciembre:
Buscar personas que se llamen Guadalupe aproximadamente 100 personas de estado de Pachuca a través de Sistema Nacional de Fototecas. Voy a retratarlos y registrar sus datos.
Visitar a basílica de Guadalupe día 12 de diciembre para recopilar la imagen de Guadalupe (virgencita)
Inicio de la investigación campo.
Buscar el símbolo de Guadalupe como imagen fuera de un contexto religioso y tomar fotos y recopilar estas imágenes.
Visitar unos estados a buscar personas con nombre Guadalupe durante todo el transcurso de la maestría. Objetivo: Integrar un grupo de imágenes de 1000 personas de Guadalupe aproximadamente. Pedir un apoyo para mi investigación y proponer este proyecto a cada institución de cada estado para presentar mi obra.
Calendario
Septiembre:
Comienzo buscar el símbolo de Guadalupe como imagen fuera de un contexto religioso y tomar fotos y recopilar estas imágenes en el campo y con el Internet.
Quisiera juntar aproximadamente 100 imágenes durante este semestre.
Octubre:
Buscar el nombre “Guadalupe” dentro del directorio telefónico de distrito federal.
Producir un prototipo de pintura, la tema es fusionar los significados (tanto de imagen y nombre) en un solo concepto que integre el contexto global y actual de Guadalupe.
Participar “Encuentro Nacional de Fototecas” en Sistema Nacional de Fototecas de Pachuca día 23, 24 de octubre y presentar una exposición del parte de proyecto “Se buscan Guadalupes” en la galería Leo Acosta en Pachuca.
Noviembre:
Comenzar pintar mas de 20 piezas de pinturas aproximadamente.
Pedir un apoyo para mi investigación y proponer este proyecto a unas instituciones de algunos estados para siguientes semestres. (estoy pensando visitar a estado de Tlaxcala, Zacatecas, Querétaro o Oaxaca)
Diciembre:
Buscar personas que se llamen Guadalupe aproximadamente 100 personas de estado de Pachuca a través de Sistema Nacional de Fototecas. Voy a retratarlos y registrar sus datos.
Visitar a basílica de Guadalupe día 12 de diciembre para recopilar la imagen de Guadalupe (virgencita)
Ensayo de “Después del fin del arte”
¿Por qué fin del arte?
Las obras artísticas se producen aún cuando se dice que es "el fin del arte". Quizás el arte se está “disminuyendo” cuantitativamente y no se presenta en la misma fuerza o una imagen tanto como antes. ¿Entonces por qué será el fin del arte?
¿Será que un artista se puso más cercano a un ciudadano? O talvez, un ciudadano se puede haber empezado a acercar al arte. Antes era muy común y existía una única, exclusiva manera de ser un artista, con el tradicional acercamiento al estudio académico, con el maestro o en la escuela. Actualmente no se puede decir lo mismo. Por ejemplo, ahora todas las personas tienen la igual oportunidad de ser artistas, incluso personas de otras profesiones y campos de acción. En cuanto al critico de arte, en la época presente, se le pone más fácil encontrar a un artista desde otros terrenos de conocimiento. En tiempos pasados se consideraban y entendían con mucha claridad los roles principales del artista, como también del critico de arte, sabiendo cada uno sus oficios. El fenómeno ha ido transformándose y ahora un critico de arte hace una obra y el artista se puede permitir de igual forma explicarla, y incursionare l la critica de conceptos o trabajos ajenos a lo suyo. Se podría decir que es la liberación de un modelo rígido que teníamos en la historia de arte, obteniendo una tendencia sometida un método ideal de nuevo fenómeno de arte actual.
Además, Walter Benjamín señala la desaparición de la “aura”, que representa el cobertor de tecnología y de la reproducción. Se puede afirmar que con la desaparición de la “aura” oficialmente perdimos nuestra conciencia original. Respecto al flujo de la historia de los medios de comunicación, principalmente de una vista enfocada a la grafica, el desarrollo de tecnología fue fomentado por la invención de cámara obscura y de la película animada (hermanos Lumière), llevando a generar actualmente avanzados gráficos digitales de la computadora. Este breve comentario está dirigido para explicar el desvanecimiento y dispersión de la originalidad anteriormente mencionada. El desarrollo que existe en un lugar determinado aquí y ahora, casi momentáneamente ya ha sido disperso a cualquier lado y parte, siempre y todo gracias a la tecnología de reproducción.
Jean Baudrillard menciona en su libro “Simulacres et simulation” que el sentido del mercado también ha ido transformándose, ¿cuál es más acertado? hacer un producto → existencia de un mercado o hacer un producto → necesidad de un negocio (venta y/o compra), ¿Será que la producción sirve para crear algunas cosas nuevas? No se puede afirmar nada, una cosa generalmente es un "simulacro". El simulacro es una cosa reproducida y es una señal sin la existencia tangible, o se podría añadir que es una copia sin el elemento original y una copia de un momento nacido. Para dar forma a un buen simulacro es inevitable que fuera modelo (probablemente un modelo repetido de otro modelo) y nunca puede ser un original. Varias cosas están hechas a partir de simulacro y simulación, él propio autor insiste que se trata de un fenómeno de un mundo hiperreal ("Hyper real"). Pareciera que en estas constantes repeticiones de simulacros de modelos y copias no se manifiestan las distinciones, sin embargo hay una “diferencia", quizás surja alguna cosa inexplicable que como resultado podría dar una visión superficial o muy puntual de "la originalidad" y la "personalidad”, hasta alguna “identidad”. Seguirá pendiente que en tal sociedad actual, la existencia de lo convencional, como significado de un ego fuerte difícilmente será formada.
Un ejemplo casi metafórico podría ser la moda de alta costura que siempre propone las nuevas tendencias. ¿Por qué es moda y por qué es bueno que se diga que trae propuestas prevalecientes? Simplemente no existe un motivo congruente. La razón es meramente porque es más nuevo y constantemente se renueva con cada temporada que llega adelante. La información es una señal traída por los varios medios de comunicación y nosotros nos deberíamos de ocupar de todo este vasto mundo de hechos que recibimos todos los días. El reciente arte se parece y podría considerarse una analogía de lo anteriormente comentado.
Estos medios de comunicación, tan avanzados y metidos en una sociedad sobremadurada, hacen que la sustancia y el ser de cada objeto desaparezca y el valor sea sólo por "relaciones" y una “diferencia" entre las cosas. Además, la imagen a la que se agregó el valor y una marca, permite que la calidad de muchas cosas se reconozca originalmente a través de sensibilidad. Es imposible de reconocer la sustancia y el ser de cada objeto de forma inmediata. En tal concepto, una sociedad se vuelve una señal y un mundo global para dominar por encima de de la diferencia. En otros términos, puede haber sucedido que sea "un texto" que permita variadas interpretaciones y que no deje que mires las cosas unilateralmente. El trabajo autoexpresivo del autor no necesariamente significa e indica lo que un público pueda observar o sentir. Puede decirse que la obra se presta a muchas ideas y no obligatoriamente a la expresividad única artística. Este se podría considerar como una parte del “fin del de arte" y será ahora un fenómeno presente del arte contemporáneo.
Como último comentario, nadie ha identificado el campo, el rango o el título y tiempo continúa flotando respecto al concepto llamado "el arte contemporáneo". Consistentemente y de nuevo no sabemos quién fue el que comenzó a usar y llamar esta época "el arte contemporáneo", una idea original, pero la cuestión pendiente: ¿ qué tipo de intención tiene? Es un hecho que el trabajo que existe también de "los tiempos modernos y clásicos" también se manifiesta en los límites de "el arte contemporáneo". Expresión de la timidez antes de que Hegel dijera puede haber sido primero. Sin embargo, en los tiempos un estilo, una estrategia, una acción se exige de otra manera que la expresión de la timidez. Vivimos en los tiempos presentes y todos somos los miembros sociales. Por supuesto que hacemos parte del equipo y debemos vivir en este fenómeno social. Los artistas actuales tienen éxito relacionando con un trabajo o actividad de muchas funciones de la sociedad, librando una labor de posición simbólica tradicional. Los artistas necesitan descubrir el método, asistiendo a la sociedad y haciéndolo construir las cosas. Ahora tenemos nueva manera de acceso a ser artista y sobrevivir con la actividad del arte.
Bibliografía
Jean Baudrillard, Simulacres et simulation, Housei University, 1984.
Sitios y páginas en Internet citados
http://wwwsoc.nii.ac.jp/geiren/news/2006/060617.html
http://homepage2.nifty.com/aenetoita/1999yosimura.htm
Las obras artísticas se producen aún cuando se dice que es "el fin del arte". Quizás el arte se está “disminuyendo” cuantitativamente y no se presenta en la misma fuerza o una imagen tanto como antes. ¿Entonces por qué será el fin del arte?
¿Será que un artista se puso más cercano a un ciudadano? O talvez, un ciudadano se puede haber empezado a acercar al arte. Antes era muy común y existía una única, exclusiva manera de ser un artista, con el tradicional acercamiento al estudio académico, con el maestro o en la escuela. Actualmente no se puede decir lo mismo. Por ejemplo, ahora todas las personas tienen la igual oportunidad de ser artistas, incluso personas de otras profesiones y campos de acción. En cuanto al critico de arte, en la época presente, se le pone más fácil encontrar a un artista desde otros terrenos de conocimiento. En tiempos pasados se consideraban y entendían con mucha claridad los roles principales del artista, como también del critico de arte, sabiendo cada uno sus oficios. El fenómeno ha ido transformándose y ahora un critico de arte hace una obra y el artista se puede permitir de igual forma explicarla, y incursionare l la critica de conceptos o trabajos ajenos a lo suyo. Se podría decir que es la liberación de un modelo rígido que teníamos en la historia de arte, obteniendo una tendencia sometida un método ideal de nuevo fenómeno de arte actual.
Además, Walter Benjamín señala la desaparición de la “aura”, que representa el cobertor de tecnología y de la reproducción. Se puede afirmar que con la desaparición de la “aura” oficialmente perdimos nuestra conciencia original. Respecto al flujo de la historia de los medios de comunicación, principalmente de una vista enfocada a la grafica, el desarrollo de tecnología fue fomentado por la invención de cámara obscura y de la película animada (hermanos Lumière), llevando a generar actualmente avanzados gráficos digitales de la computadora. Este breve comentario está dirigido para explicar el desvanecimiento y dispersión de la originalidad anteriormente mencionada. El desarrollo que existe en un lugar determinado aquí y ahora, casi momentáneamente ya ha sido disperso a cualquier lado y parte, siempre y todo gracias a la tecnología de reproducción.
Jean Baudrillard menciona en su libro “Simulacres et simulation” que el sentido del mercado también ha ido transformándose, ¿cuál es más acertado? hacer un producto → existencia de un mercado o hacer un producto → necesidad de un negocio (venta y/o compra), ¿Será que la producción sirve para crear algunas cosas nuevas? No se puede afirmar nada, una cosa generalmente es un "simulacro". El simulacro es una cosa reproducida y es una señal sin la existencia tangible, o se podría añadir que es una copia sin el elemento original y una copia de un momento nacido. Para dar forma a un buen simulacro es inevitable que fuera modelo (probablemente un modelo repetido de otro modelo) y nunca puede ser un original. Varias cosas están hechas a partir de simulacro y simulación, él propio autor insiste que se trata de un fenómeno de un mundo hiperreal ("Hyper real"). Pareciera que en estas constantes repeticiones de simulacros de modelos y copias no se manifiestan las distinciones, sin embargo hay una “diferencia", quizás surja alguna cosa inexplicable que como resultado podría dar una visión superficial o muy puntual de "la originalidad" y la "personalidad”, hasta alguna “identidad”. Seguirá pendiente que en tal sociedad actual, la existencia de lo convencional, como significado de un ego fuerte difícilmente será formada.
Un ejemplo casi metafórico podría ser la moda de alta costura que siempre propone las nuevas tendencias. ¿Por qué es moda y por qué es bueno que se diga que trae propuestas prevalecientes? Simplemente no existe un motivo congruente. La razón es meramente porque es más nuevo y constantemente se renueva con cada temporada que llega adelante. La información es una señal traída por los varios medios de comunicación y nosotros nos deberíamos de ocupar de todo este vasto mundo de hechos que recibimos todos los días. El reciente arte se parece y podría considerarse una analogía de lo anteriormente comentado.
Estos medios de comunicación, tan avanzados y metidos en una sociedad sobremadurada, hacen que la sustancia y el ser de cada objeto desaparezca y el valor sea sólo por "relaciones" y una “diferencia" entre las cosas. Además, la imagen a la que se agregó el valor y una marca, permite que la calidad de muchas cosas se reconozca originalmente a través de sensibilidad. Es imposible de reconocer la sustancia y el ser de cada objeto de forma inmediata. En tal concepto, una sociedad se vuelve una señal y un mundo global para dominar por encima de de la diferencia. En otros términos, puede haber sucedido que sea "un texto" que permita variadas interpretaciones y que no deje que mires las cosas unilateralmente. El trabajo autoexpresivo del autor no necesariamente significa e indica lo que un público pueda observar o sentir. Puede decirse que la obra se presta a muchas ideas y no obligatoriamente a la expresividad única artística. Este se podría considerar como una parte del “fin del de arte" y será ahora un fenómeno presente del arte contemporáneo.
Como último comentario, nadie ha identificado el campo, el rango o el título y tiempo continúa flotando respecto al concepto llamado "el arte contemporáneo". Consistentemente y de nuevo no sabemos quién fue el que comenzó a usar y llamar esta época "el arte contemporáneo", una idea original, pero la cuestión pendiente: ¿ qué tipo de intención tiene? Es un hecho que el trabajo que existe también de "los tiempos modernos y clásicos" también se manifiesta en los límites de "el arte contemporáneo". Expresión de la timidez antes de que Hegel dijera puede haber sido primero. Sin embargo, en los tiempos un estilo, una estrategia, una acción se exige de otra manera que la expresión de la timidez. Vivimos en los tiempos presentes y todos somos los miembros sociales. Por supuesto que hacemos parte del equipo y debemos vivir en este fenómeno social. Los artistas actuales tienen éxito relacionando con un trabajo o actividad de muchas funciones de la sociedad, librando una labor de posición simbólica tradicional. Los artistas necesitan descubrir el método, asistiendo a la sociedad y haciéndolo construir las cosas. Ahora tenemos nueva manera de acceso a ser artista y sobrevivir con la actividad del arte.
Bibliografía
Jean Baudrillard, Simulacres et simulation, Housei University, 1984.
Sitios y páginas en Internet citados
http://wwwsoc.nii.ac.jp/geiren/news/2006/060617.html
http://homepage2.nifty.com/aenetoita/1999yosimura.htm
Ensayo para “Voces en el concierto” María Minera Arte contemporáneo en México
Quizás se pensaría que la gente del pasado no tenía la posibilidad de un espacio como museo de arte para apreciar unas obras. Las revoluciones pasaron en Europa, y cada país tuvo su revolución industrial que trajo el nuevo estatus con el progreso y la tecnología. A partir de esta época, se considera que empiezan los tiempos modernos. El arte siempre tiene una relación íntimamente relacionada con la sociedad. Tal vez, yo creo que el arte contemporáneo comenzó desde que las personas lograron obtener la ciudadanía y la verdadera libertad dentro de la sociedad.
Yo soy de nacionalidad japonesa y procuro siempre comparar otros países con el lugar de mi origen, analizándolo a través de todos los medios. Pienso que la situación del arte en Japón en una parte se parece en lo que concierne aceptar simplemente la historia del arte europeo y norte americano, como también se asemeja mucho a la situación del arte mexicano, pero sin descuidar que México y Japón tienen diferentes historias, culturas y claramente los rasgos nacionales son distintos. Lo anteriormente comentado, me hace reflexionar y cuestionar el fenómeno del arte contemporáneo, sus expresiones, sus aceptaciones y los múltiples cambios que sufre en distintas regiones como son México y Japón.
Los Juegos Olímpicos de Tokio se realizaron en 1964 después de Segunda Guerra Mundial, los que siguieron fueron los Juegos Olímpicos de la ciudad de México. La década de los 60 fue conocida por la moda del arte pop y el hecho que Japón y México estuvimos los Juegos Olímpicos por en esa época hace que los conceptos sean muy interesantes (la producción de masa y para la masa, una sociedad de consumo de masa y las relaciones del arte pop son íntimas.）
No quiero mencionar mucho el movimiento del Muralismo en este texto, pero pienso que este fenómeno de arte mexicano de los años 20 a los 30 tiene una gran influencia sobre los artistas mexicanos y el mundo también. Por ejemplo, cuando los muralistas se fueron a Estados Unidos, los pintores jóvenes de allá ayudaron con la producción de la pintura mural y es entonces cuando nace el importante movimiento del arte llamado el Expresionismo Abstracto. El artista japonés Isamu Noguchi (gran escultor) también se une a este movimiento y visita México en esta época, y posteriormente, llega otro artista del arte conceptual muy conocido mundialmente On Kawara, quedándose en México antes de radicar en Nueva York. Estos dos casos los nombro porque soy gran admirador y apreciador de su obra, tengo mucha inclinación ideológica hacía sus conceptos.
Tal vez el arte mexicano no puede decir que recibió el arte contemporáneo del a fuera de sus fronteras y que fue algo más unilateral. Cuando se hace la comparación con Japón en época de muralismo, se podría asegurar que México estaba mucho más a la moda del arte. Japón no tuvo particularmente nada y ningún movimiento tan original y tan fuerte como muralismo, solamente estaba aceptando la información del mundo. En esta época no había Internet y tampoco había costumbre de viajar, utilizando el avión seguro, existía un retraso de tiempo para que llegara la información del arte mundial. Sin embargo los artistas japonés adoptaron la situación del arte europeo y americano en serio, con esta acumulación se produce el arte contemporáneo japonés de hoy. Por ejemplo, Takashi Murakami tiene una similitud con Gabriel Orozco en varios significados. Sus trabajos no parecen en absoluto, pero los dos artistas tienen el carisma y son ídolos de los artistas jóvenes.
Parte de “Ideas brillantes” en este texto te dice “Tienes que ser cuidadoso, porque el arte contemporáneo, como todo y como siempre, está lleno de cosas que sirven y cosas que son basura”. El arte contemporáneo puede parecer, hacer, pero no es algo que siempre convence. Cuando un paso en todo el proceso está equivocado, fácilmente se vuelve infuncional.
Parte de “Cada cosa es lo que es ” en este texto se comenta que “para Enrique Guerrero es muy claro que el arte “algo te tiene que dar, algo te tiene que aportar; si no te aporta nada, no debes de verlo, no debes de tenerlo, así es. Hay gente a la que le da estatus, hay gente a la que le da placer, hay gente a la que le da horror, hay gente a la que le da sueño, hay gente a la que no la deja dormir: produce muchas cosas y yo creo que el arte no ha cambiado mucho en ese sentido; única y sencillamente se utilizan medios que antes no se utilizaban porque no existían”. Yo opino que es muy difícil de definir el arte contemporáneo y además es difícil de clasificar el arte contemporáneo mexicano, todavía más decir que la postura del artista no cambiará para siempre. Un artista tiene que tener creatividad y capacidad de crear ante cualquier situación y circunstancia. Un artista debe de estar en contacto con la sociedad, por lo que debe pensar constantemente cómo relacionarse, por que un artista forma parte de la sociedad. Para llegar a esta idea es muy importante que el artista tenga la capacidad de explorar en su interior y cuestionar a sí mismo:
¿Quién soy?, ¿Qué quiero hacer?, ¿Qué puedo hacer?
Por último un artista debe de situarse dentro del mundo y considerar su posición dentro de la naturaleza, dentro de la sociedad y dentro de la historia. Con este pensamiento un artista tendrá la capacidad de crear un futuro.
Yo soy de nacionalidad japonesa y procuro siempre comparar otros países con el lugar de mi origen, analizándolo a través de todos los medios. Pienso que la situación del arte en Japón en una parte se parece en lo que concierne aceptar simplemente la historia del arte europeo y norte americano, como también se asemeja mucho a la situación del arte mexicano, pero sin descuidar que México y Japón tienen diferentes historias, culturas y claramente los rasgos nacionales son distintos. Lo anteriormente comentado, me hace reflexionar y cuestionar el fenómeno del arte contemporáneo, sus expresiones, sus aceptaciones y los múltiples cambios que sufre en distintas regiones como son México y Japón.
Los Juegos Olímpicos de Tokio se realizaron en 1964 después de Segunda Guerra Mundial, los que siguieron fueron los Juegos Olímpicos de la ciudad de México. La década de los 60 fue conocida por la moda del arte pop y el hecho que Japón y México estuvimos los Juegos Olímpicos por en esa época hace que los conceptos sean muy interesantes (la producción de masa y para la masa, una sociedad de consumo de masa y las relaciones del arte pop son íntimas.）
No quiero mencionar mucho el movimiento del Muralismo en este texto, pero pienso que este fenómeno de arte mexicano de los años 20 a los 30 tiene una gran influencia sobre los artistas mexicanos y el mundo también. Por ejemplo, cuando los muralistas se fueron a Estados Unidos, los pintores jóvenes de allá ayudaron con la producción de la pintura mural y es entonces cuando nace el importante movimiento del arte llamado el Expresionismo Abstracto. El artista japonés Isamu Noguchi (gran escultor) también se une a este movimiento y visita México en esta época, y posteriormente, llega otro artista del arte conceptual muy conocido mundialmente On Kawara, quedándose en México antes de radicar en Nueva York. Estos dos casos los nombro porque soy gran admirador y apreciador de su obra, tengo mucha inclinación ideológica hacía sus conceptos.
Tal vez el arte mexicano no puede decir que recibió el arte contemporáneo del a fuera de sus fronteras y que fue algo más unilateral. Cuando se hace la comparación con Japón en época de muralismo, se podría asegurar que México estaba mucho más a la moda del arte. Japón no tuvo particularmente nada y ningún movimiento tan original y tan fuerte como muralismo, solamente estaba aceptando la información del mundo. En esta época no había Internet y tampoco había costumbre de viajar, utilizando el avión seguro, existía un retraso de tiempo para que llegara la información del arte mundial. Sin embargo los artistas japonés adoptaron la situación del arte europeo y americano en serio, con esta acumulación se produce el arte contemporáneo japonés de hoy. Por ejemplo, Takashi Murakami tiene una similitud con Gabriel Orozco en varios significados. Sus trabajos no parecen en absoluto, pero los dos artistas tienen el carisma y son ídolos de los artistas jóvenes.
Parte de “Ideas brillantes” en este texto te dice “Tienes que ser cuidadoso, porque el arte contemporáneo, como todo y como siempre, está lleno de cosas que sirven y cosas que son basura”. El arte contemporáneo puede parecer, hacer, pero no es algo que siempre convence. Cuando un paso en todo el proceso está equivocado, fácilmente se vuelve infuncional.
Parte de “Cada cosa es lo que es ” en este texto se comenta que “para Enrique Guerrero es muy claro que el arte “algo te tiene que dar, algo te tiene que aportar; si no te aporta nada, no debes de verlo, no debes de tenerlo, así es. Hay gente a la que le da estatus, hay gente a la que le da placer, hay gente a la que le da horror, hay gente a la que le da sueño, hay gente a la que no la deja dormir: produce muchas cosas y yo creo que el arte no ha cambiado mucho en ese sentido; única y sencillamente se utilizan medios que antes no se utilizaban porque no existían”. Yo opino que es muy difícil de definir el arte contemporáneo y además es difícil de clasificar el arte contemporáneo mexicano, todavía más decir que la postura del artista no cambiará para siempre. Un artista tiene que tener creatividad y capacidad de crear ante cualquier situación y circunstancia. Un artista debe de estar en contacto con la sociedad, por lo que debe pensar constantemente cómo relacionarse, por que un artista forma parte de la sociedad. Para llegar a esta idea es muy importante que el artista tenga la capacidad de explorar en su interior y cuestionar a sí mismo:
¿Quién soy?, ¿Qué quiero hacer?, ¿Qué puedo hacer?
Por último un artista debe de situarse dentro del mundo y considerar su posición dentro de la naturaleza, dentro de la sociedad y dentro de la historia. Con este pensamiento un artista tendrá la capacidad de crear un futuro.
Ensayo para “Un argumento sobre la belleza” Susan Sontag Película “Elefante” Gus Van Sant
¿Qué es “la belleza”? Pienso que al empezar los tiempos modernos, el significado de las palabras que describen “la belleza” cambio. “La belleza” es un valor natural y deberá entenderse como parte de la sensibilidad humana, no como un asunto teórico. Entonces, ¿qué tipo de sensación recibiremos de “la belleza”?. Ésta al ser percibida por la sensibilidad humana adquiere excelencia, por lo que “la belleza” va de la mano con “lo bueno”. Una vez teniendo estos términos, es lógico poder describir que es “lo bueno”, pero no sucede lo mismo al intentar describir qué es “la belleza”, ya que depende del uso de la lógica, ya que su significado es completamente subjetivo al provenir de la sensibilidad humana.
Si en lugar de analizar el binomio “belleza” y “bondad”, analizamos la “belleza” con lo “personal” adquiere un significado social “bueno”, pero “la belleza” obscena y antisocial es también posible. La película “Elefante” ejemplifica este caso de “belleza” en la sociedad. Dos estudiantes realizan una matanza dentro de una escuela en estados unidos, lo cual, visto de esta forma, es malo; pero si analizamos el contexto en el que se desarrollan los pródromos a este acontecimiento, estos jóvenes son víctima de la “belleza social”, la cual es cruel y discriminatoria. El acto cometido, enfocándose en los motivos personales de los jóvenes, resulta ser “bueno”. Pero, ¿por qué tal cosa pasa?, siempre se olvida que los significados de “la verdad, lo bueno, la belleza” son formados en el interior de uno, y reflejados fuera si mismo.
En este texto sobre la belleza, cuyo método de manera concreta se plantea un problema: “la belleza” propia y como esta posee un sujeto, o debe ser considerada en la relación de sí misma y el objeto. Otra de las cualidades de la belleza es que posee “gusto”. Debido a esto, la belleza despierta el deseo de posesión, lo cual puede ser ejemplificado en el deseo de tener relación con una mujer, no limitándome en su significado sexual, si no a poseer una relación con una mujer, derivada de la codicia, es como estirar la mano y tocar la naturaleza total de la mujer.
Cuando la belleza se asocia con una persona, la manera en como el ser humano percibe la belleza es llamada “Eros”, esta surge a través de las relaciones. El Eros también es un ente personal, en el cual una persona se acepta a sí misma a través de la percepción de su propia belleza.
Hegel menciona que la codicia significa “codicia a otra persona”, lo establece como método ideal, universal y humano para exigir la aprobación de otra persona. Para el ser humano, la codicia recibe varios significados al mantener contacto con otra persona, desde el momento de nacer, debido a que la naturaleza del ser humano es pertenecer a una sociedad, por lo tanto es natural que en el ser humano exista codicia. Esta proporciona varios significados a diversos elementos, necesarios para construir el mundo interno de cada ser, aporta tanto el significado del “ego” y “existencia”. Estos significados son copropiedad de la relación con otra persona.
La superficie aparece en varias formas para manifestarse hacia el exterior. En la película “Elefante”, Alex y Eric realizaron de tal forma un auto expresión. Aunque las maneras de expresión son diferentes, Michel también se desarrolla en un ambiente similar al que Alex y Eric. Puede decirse que la temática de esta película guarda íntima relación con la belleza y el bien, desglosándose en Ego. Puede decirse que en las acciones realizadas hay belleza y bien; pero para comprenderla deberá analizarse la diferencia del sentido que se le brinda a los diferentes valores de cada una de las personas que participaron.
Las imágenes de la película “Elefante” cambian de velocidad y disminuyen la mezcla del tiempo, la expresión de conciencia del interior de cada persona, técnica que muestra la misma escena en puntos de vista plurales. La intersección de las personas genera un ambiente de tensión dentro del drama, en donde no sabemos si los demás personajes están consientes de que una tragedia está ocurriendo. Por ejemplo, Elias y Michel entran a la biblioteca cada uno después de se cruzaron con John, cuando Alex y Eric entran a la escuela se cruzaron con John pero John hacía a la fuera del a escuela. Hay un momento decisivo en su destino allí. Puede no tener nada que ver directamente con la belleza, pero me pregunto por la vida y por dos que encaran la muerte. Estoy interesado en el lugar en donde salen de tiempo las relaciones humanas. La belleza de la naturaleza puede ser algo absoluto, pero qué belleza es ciertamente sólo un elemento dispuesto para formarse. Yo creo que la belleza se forma finalmente en el ambiente de cada una de las personas y en cada una de las relaciones entre los seres humanos.
Si en lugar de analizar el binomio “belleza” y “bondad”, analizamos la “belleza” con lo “personal” adquiere un significado social “bueno”, pero “la belleza” obscena y antisocial es también posible. La película “Elefante” ejemplifica este caso de “belleza” en la sociedad. Dos estudiantes realizan una matanza dentro de una escuela en estados unidos, lo cual, visto de esta forma, es malo; pero si analizamos el contexto en el que se desarrollan los pródromos a este acontecimiento, estos jóvenes son víctima de la “belleza social”, la cual es cruel y discriminatoria. El acto cometido, enfocándose en los motivos personales de los jóvenes, resulta ser “bueno”. Pero, ¿por qué tal cosa pasa?, siempre se olvida que los significados de “la verdad, lo bueno, la belleza” son formados en el interior de uno, y reflejados fuera si mismo.
En este texto sobre la belleza, cuyo método de manera concreta se plantea un problema: “la belleza” propia y como esta posee un sujeto, o debe ser considerada en la relación de sí misma y el objeto. Otra de las cualidades de la belleza es que posee “gusto”. Debido a esto, la belleza despierta el deseo de posesión, lo cual puede ser ejemplificado en el deseo de tener relación con una mujer, no limitándome en su significado sexual, si no a poseer una relación con una mujer, derivada de la codicia, es como estirar la mano y tocar la naturaleza total de la mujer.
Cuando la belleza se asocia con una persona, la manera en como el ser humano percibe la belleza es llamada “Eros”, esta surge a través de las relaciones. El Eros también es un ente personal, en el cual una persona se acepta a sí misma a través de la percepción de su propia belleza.
Hegel menciona que la codicia significa “codicia a otra persona”, lo establece como método ideal, universal y humano para exigir la aprobación de otra persona. Para el ser humano, la codicia recibe varios significados al mantener contacto con otra persona, desde el momento de nacer, debido a que la naturaleza del ser humano es pertenecer a una sociedad, por lo tanto es natural que en el ser humano exista codicia. Esta proporciona varios significados a diversos elementos, necesarios para construir el mundo interno de cada ser, aporta tanto el significado del “ego” y “existencia”. Estos significados son copropiedad de la relación con otra persona.
La superficie aparece en varias formas para manifestarse hacia el exterior. En la película “Elefante”, Alex y Eric realizaron de tal forma un auto expresión. Aunque las maneras de expresión son diferentes, Michel también se desarrolla en un ambiente similar al que Alex y Eric. Puede decirse que la temática de esta película guarda íntima relación con la belleza y el bien, desglosándose en Ego. Puede decirse que en las acciones realizadas hay belleza y bien; pero para comprenderla deberá analizarse la diferencia del sentido que se le brinda a los diferentes valores de cada una de las personas que participaron.
Las imágenes de la película “Elefante” cambian de velocidad y disminuyen la mezcla del tiempo, la expresión de conciencia del interior de cada persona, técnica que muestra la misma escena en puntos de vista plurales. La intersección de las personas genera un ambiente de tensión dentro del drama, en donde no sabemos si los demás personajes están consientes de que una tragedia está ocurriendo. Por ejemplo, Elias y Michel entran a la biblioteca cada uno después de se cruzaron con John, cuando Alex y Eric entran a la escuela se cruzaron con John pero John hacía a la fuera del a escuela. Hay un momento decisivo en su destino allí. Puede no tener nada que ver directamente con la belleza, pero me pregunto por la vida y por dos que encaran la muerte. Estoy interesado en el lugar en donde salen de tiempo las relaciones humanas. La belleza de la naturaleza puede ser algo absoluto, pero qué belleza es ciertamente sólo un elemento dispuesto para formarse. Yo creo que la belleza se forma finalmente en el ambiente de cada una de las personas y en cada una de las relaciones entre los seres humanos.
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